La soledad se muestra como una verdad absoluta presente en todas nuestras relaciones: vida y familia, amistades y pareja… Y al final todo ello acaba desapareciendo como lágrimas en la lluvia.

Es curiosa la manera que tiene esta segunda parte de referenciar a su predecesora, tan definida por el uso de violentas y radicales utopías, y aún así construir un perfecto puente entre ambas. Existe en ese mismo puente una ajena y compleja ilusión de como nuestra propia raza podría volcarnos en ese distorsionado infierno plagado de irrealidades, nudismos existenciales y robots.

Blade Runner podría ser perfectamente un ensayo sobre la condición humana y la soledad. En definitiva, un estudio de la propia memoria a través de una fotografía que podría clasificarse como una de las mejores del cine de los últimos veinte años.

«El azul y el naranja conforman el color gris, indispensable para comprender la belleza de la soledad»

No obstante, si hay algo que haga realmente distinta a la cuidada selección de planos es su paleta de colores, que se adapta al antojo de la naturaleza de la escena. Cada azul, cada naranja y cada gris representan la redundancia de la propia obra en su uso del silencio y de la panorámica que la fotografía utiliza para incentivar la imaginación del espectador. Existe un abuso de este tipo de planos. El azul y el naranja conforman el color gris, indispensable para comprender la belleza de la soledad y de su simbolización en el film.

Mediante el uso de meditados silencios y abiertos sonidos, la película se distancia del formato cinematográfico actual en el que estos recursos cada vez importan menos. Es innegable que el CGI es un importante aspecto en el entramado y en los visuales de la película, mas es llevado a cabo brillantemente por su director, Dennis Villeneuve, bajo la priorización de una fantástica fotografía. Gracias a todos estos detalles, la película logra diferenciarse en el estereotipado género de la ciencia ficción de la última década.

En la serie original, Saul siempre se mostraba listo en el trabajo, pero nunca en el ámbito personal, lo cual le generó inmediatamente un agujero que podía ser llenado de diferentes formas y con distintos personajes, algunos ya vistos, muchos otros no.

Fue esa libertad a la hora de ponerse a rodar Better call Saul, lo que permitió crear un universo paralelo perfectamente relacionado con su predecesora, tan detallada y estructurada. La presentación y el desarrollo de los personajes cercanos al ahora lejano Jimmy McGill fue llevada a cabo de una manera lenta y educada, dejando un amplio espacio a cada uno de ellos. Un hermano enfermo mentalmente, la razón por la cual Jimmy cambió por completo su destino; una abogada metódica, el único amor verdadero y la única razón que Saul una vez tuvo, y un narco sádico, la razón por la cual el declive personal y profesional comenzó a verse en la vida de nuestro abogado.

«Vince Gilligan nos ha traído una serie a la altura o mejor que Breaking Bad»

Al analizar estos tres personajes claves, y digo claves ya que, sin bien nunca llegaron a aparecer en Breaking Bad, es cierto que los tres fueron mencionados, directa o indirectamente. Sabiendo esto, nos daremos cuenta de que son ellos, y ningún otro, los mejores y más cercanos personajes del mundo personal de Saul.

Otro aspecto realmente interesante de Better call Saul estriba en el hecho de que (refiriéndome a sus últimos episodios) la serie supo enlazar la verdadera percepción de dos universos legítimos, permitiendo así no dejar ningún agujero en el guion a su paso, por muy complicado que haya sido. Si bien es evidente para cualquier fan de Breaking Bad la complejidad en la estructura interna de sus piezas de ficción, incluyendo la película El Camino, hay que resaltar el porqué: el diálogo, repleto de referencias constantes al final de la propia serie. Un diálogo precioso, ya que verdaderamente logra crear puentes y vínculos entre personajes, aunque estos no tengan que coincidir.

Por ejemplo, fue el camino escrito y pronunciado lo que realmente unió a Kim y a Jesse en una de las mejores escenas de la serie en la magnífica primera temporada, centrada en el pasado de Mike como justiciero, y la relación de Chuck y Jimmy hasta la última, donde ya podemos ver a un Lalo más loco y perdido que nunca. Otro detalle subliminal que realmente consiguió bañar la serie en su tercera ola de éxito fue la reaparición de Walter White.

En resumen, Vince nos ha traído una serie a la altura o mejor que Breaking Bad, que sigue los cuatro pilares que toda serie ha de tener: detalle, composición, actuación y diálogo.

Desde su guion, hasta su curiosa manera de penetrar en la mente del público, pasando por la mismísima naturalidad de Nick, la película es, francamente, inclasificable. Es clara mi opinión frente a esta obra, ya que no me parece imprescindible el ser fan de Nicolas, sea o no sea un buen actor, para entenderla y disfrutarla. De hecho, al escribir este artículo, siento un nudo en mi garganta que me impide encontrar las palabras para describir la ciencia escénica de lo que aún me parece difícil de reconocer como una revelación, y es que Cage, de por sí, es una revelación.

«El insoportable peso de un talento descomunal homenajea no solo al cine clásico del actor, sino también al cine en su totalidad»

Además, la película homenajea no solo al cine clásico del actor, sino también al cine en su totalidad. Con un guiño indirecto y poco serio a las altas figuras de la industria, la crítica a la caída, tanto personal como económica, de una persona que quiere dar algo más que aquello lo que le permite la limitada caja de las cámaras de Hollywood, se hace clara con tan solo ver cualquiera de los personajes de la obra.

En resumen, el agujero independiente de Nick crea una comedia tanto absurda como intelectual, haciéndonos ver cómo, en ocasiones, lo idiota llega a ser lo más profundo y extraño que se pueda proyectar en la gran pantalla, siempre y cuando, haya alguien como Cage tras la cámara.

En mi opinión, esta última película quería demostrar, en vano, que su compañía tenía todavía algo nuevo e innovador que mostrar al público. El problema con esta obra no reside en sí en sus agujeros de guión, sí en cambio en la falta de pensamiento que hay tras cada palabra, tras cada actuación, tras cada momento.

«La fotografía es el punto fuerte de esta película, visualmente interesantísima»

El único punto que ha logrado alcanzar es demostrar como la gente que va al cine se fija más en la cantidad de batallas increíbles y en las rutilantes estrellas de cine que haya, que en su propia calidad. Un buen ejemplo de ello radica en el hecho de que Dr. Strange haya derrotado en taquilla a The Batman tras tan solo su primer día de taquilla, lo cual fue algo que provocó en mí no tanto un sentimiento de ira, sino de pena. Y eso es lo que me da esta película.

En contrapartida, he de reconocer lo positivo que alberga esta entrega: todos y cada uno de sus exquisitos (en ocasiones divertidos, en otros melancólicos) y meditados planos. Todo lo que sus personajes no son capaces de decir con un diálogo que podría haber sido perfectamente el despertar de una nueva era para el mundo cinematográfico de los superhéroes, lo dice su fotografía. Ese es el punto fuerte de esta película, visualmente interesantísima: cada objeto y movimiento está donde está porque, de un modo u otro, acabará importando para esa escena en particular.

El punto de esta obra reside en que no trata del género de superhombres en sí, mas en lo que conlleva el ser uno de ellos. La película, si bien llega en ocasiones a cruzar la línea de la tolerancia a la insanidad, lo hace para que el espectador entienda que no está viendo una película del Hombre Murciélago al estilo de los sesenta, sí un crudo ensayo sobre la mente de Batman, cuya interpretación ha sido llevada a un nivel superior bajo la siniestra mirada del británico Robert Pattinson.

En resumen, esta pieza de arte ha cambiado por completo nuestra feliz percepción del género de superhéroes gracias a magníficas actuaciones de mano de los conocidos John Tuturro, en el papel del jefe de la mafia de Gotham Falcone; Jeffrey Wright, como el único policía no corrupto de la ciudad; el irreconocible Colin Farrell, como el rey del Siete Bajo Cero, o la misma Zöe Kravitz, como Catwoman.

Dramática y sarcástica, fría y cruel, a la vez que inteligente, romántica y realista, el filme refleja la visión de un grupo de escolares durante una desgarradora crisis civil en la capital de Irlanda del Norte. Todos estos recursos son empleados por el director y guionista, Kenneth Brannagh, con el fin de mostrar su propia y dura infancia a la que una vez estuvo encadenado.

A su finalización, muy probablemente, nos lamentaremos de haber agotado el impacto que genera visualizarla. En resumen, Belfast se ha ganado por sí sola el respeto de quienes amamos el cine por su gran guion y realismo, encumbrándose hasta llegar a postularse al Oscar a mejor película.

La película, si bien indisciplinada en el uso de recursos tan potentes como la violencia de la que abusa para advertir sobre esta lacra de la sociedad, es de las más exitosas de las últimas décadas. Tal como dijo una vez su propio director: «Nunca seré capaz de superar su éxito».

Se trata, sin duda, de una película irrepetible, no solo por los recursos empleados, sino por la influencia que ha supuesto para innumerables cineastas a la hora de ponerse delante de una cámara.

La película nos presenta al narrador (Edward Norton) y su remoto y rutinario estilo de vida: trabajo por el día, insomnio y soledad por la noche, unido a un enganche a las redes de consumismo. En ese clima, el protagonista comienza a asistir a grupos de rehabilitación en busca de su zona de confort. Allí conoce a la tentadora Marla Singer (Helena Bonham Carter), una mujer aparentemente idéntica a él, y con la que completa parte de su vida. Pero no termina de aclararse hasta que conoce al antisistema Tyler Durden (encarnado por Brad Pitt), alguien atractivo para el narrador que trata de acabar con su aburrida vida y comenzar una llena de emociones.

Con esta base, un par de puños y mucho jabón, levantan un club de lucha dirigido a todas aquellas personas deseosas de nuevas aventuras vitales que necesitan desahogarse mediante la violencia a modo de terapia que les proporciona placer, dándoles la oportunidad de ser ellos mismos.

Fight Club se configura como una película realista y provocadora, repleta de magníficas actuaciones y diálogos.