La Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias acoge la exposición Invasores hasta el viernes, 6 de septiembre. El horario de visita es de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas. La entrada es gratuita. La exhibición es una protesta en contra de la propagación de plantas invasoras, como el rabo de gato, en la Islas. Además de las consecuencias de una demanda incansable de recursos por parte de la población. Asimismo, la artista, Pilar Boullosa, busca crear conciencia sobre cómo la inteligencia artificial, internet o la robótica están incrementando la globalización.

Después de 26 años de su estreno sigue marcando tendencia. En 2024, Netflix compró el programa de televisión y llegó a toda una nueva generación. La clave es la moda de los 90s, las divertidas aventuras del grupo de amigas y lo más importante, lo fácil que es identificarse con alguna de ellas. La pregunta que se hace todo fan de Sex and the City es: ¿Soy Samantha, Carrie, Charlotte o Miranda? ¿Cuál se parece más a mí? Aunque en muchos casos tengas un poco de la esencia de cada una, siempre hay dos con las que quieres que te comparen. Samantha y Charlotte son polos opuestos, pero las favoritas del público.

«La atrevida y perspicaz Samantha se ha convertido en un icono de empoderamiento femenino»

La atrevida y perspicaz Samantha con su independencia de los hombres y su libertad sexual se ha convertido en un icono de empoderamiento femenino. La dulce e inocente Charlotte es una coqueta neoyorquina cuyos objetivos en la vida son conseguir a su príncipe azul y que este le dé descendientes. A pesar de las constantes discrepancias entre ellas, ambas tienen en común que no se conforman con poco, saben lo que se merecen y no van a aceptar a nadie que no cumpla con sus requisitos.

Miranda es la oveja negra. Desde los primeros capítulos muestra su cinismo y seguridad en sí misma. Pero, lo que la convierte en la que menos le gusta a la audiencia son su forma de vestir, más masculina que el resto, y su seriedad constante. Asimismo, no cree en los cuentos de hadas y ayuda al resto a mantener los pies en la tierra.

Por otro lado Carrie, la protagonista, es un caos constante. Una explosión de pasión, sentimientos y ganas de comerse el mundo. Pero lo que define su vida amorosa a lo largo de la serie es su relación con Mr. Big. Un hombre mayor que ella que le romperá el corazón constantemente. Su relación es la más tóxica, pero también la más romantizada en la serie.

Nueva York es lo único que las cuatro amigas tienen en común. La ciudad las unió y las volvió inseparables. A pesar de sus diferencias, a lo largo de las temporadas demuestran que una de las claves para triunfar en la vida es tener cerca a amistades reales. Que te apoyen, animen y consuelen. Ellas se cuidan las unas a las otras, se riñen cuando toman malas decisiones y se felicitan cuando consiguen sus objetivos. Como se menciona en varias ocasiones, ellas son el amor de la vida de la otra, sin necesidad de hombres ni de que les rompan el corazón.

La moda es un factor crucial en la serie. Los famosos bolsos baguette de Fendi y los Manolo Blahnik de Carrie, el amor por el rosa de Charlotte, los escotes que usa Samantha y los trajes eclécticos pero elegantes de Miranda. Una amalgama de texturas y colores que gritan: años 90 en Nueva York. La era de oro de la moda. En pleno 2024 la mitad de las tendencias están inspiradas en esa época. La icónica serie es protagonista de artículos en el New York Times y trends de TikTok, convirtiéndola en un movimiento que ha influenciado este año en todos los aspectos.

Como diría Carrie, no puedo evitar preguntarme si resolver tus problemas fuese tan sencillo como en las películas. ¿Por qué no convertimos nuestra realidad en una película en la que nuestro único dilema sea el precio de los Manolos? Quizá el día que estemos viviendo esa vida en Nueva York, con un Cosmopolitan en la mano y un bolso Fendi en el hombro, lo veremos todo más claro.

La textil es la segunda industria más contaminante después del petróleo, produce alrededor de 150 mil millones de prendas de ropa al año y genera casi un millón de toneladas de residuos anuales. Es un problema real, que daña el Planeta tanto en el proceso de producción, durante la transportación y venta. Pero, especialmente, cuando termina la vida útil del producto. Los rastros solidarios se han convertido en una pequeña solución a este dilema, en estos establecimientos de segunda mano se venden ítems a los que se les da una segunda vida. Se trata de uno de los proyectos que lleva a cabo la entidad Obra Social de Acogida y Desarrollo (OSDAD), una asociación no lucrativa que ayuda a cualquier individuo en situación de necesidad.

Esta organización lleva más de treinta años ayudando a la ciudadanía canaria a escapar de su situación de pobreza y exclusión social. Una de las formas para llevar esto a cabo es a través de los rastros solidarios. Algunos se dividen en ropa, libros y tiendas de muebles, pero lo que tiene más éxito y más clientes obtiene son las seis tiendas de prendas de segunda mano. El Rastro Especial, el Padre Fernando, La Pelota, el Santa Isabel y el Alonso Quintero, todos situados en Las Palmas de Gran Canaria, excepto el de Jinámar, que se encuentra en Telde.

Hace años, comenzó la moda de las tiendas de ropa vintage para recuperar prendas del pasado. En los rastros solidarios lo que está de moda es reciclar y ayudar a quienes más lo necesitan. Inma Castro, coordinadora de los comercios, indica que uno de los objetivos es «regalarle ropa o muebles a las asociaciones de trabajadores sociales que traen a gente necesitada, para que puedan salir adelante, sin pagar nada a cambio». Por otro lado, también es una forma de financiar la propia entidad, ya que esta es independiente del Estado. La coordinadora comenta que «nuestra prioridad es que la ropa esté en buen estado, sin agujeros, olores fuertes, sin manchas de lejía ni que el tejido esté desfasado». Además, admite que hay prendas de ropa con pequeñas manchas que bajo unos criterios sí se aceptan. Por ejemplo, en caso de que la prenda esté en perfecto estado o que se trate de una marca cara, consideran que quien la compre puede quitar la mancha lavándola en casa.

«No venimos aquí a ganar dinero, sino a enriquecer el corazón y la mente»

El aspecto menos importante de estos rastros son los precios, ya que el objetivo de la asociación no es generar grandes cantidades de dinero. «No venimos aquí a ganar dinero e inflar nuestras cuentas bancarias, sino a enriquecer el corazón y la mente. Trabajo por quien no tiene nada, no por mí misma», confiesa. Asimismo, asegura que el dinero recaudado va íntegramente para la obra social, para la comida y las medicinas de residentes, para los cuidados físicos y mentales, la parte administrativa, además de los sueldos de toda la plantilla.

Estas tiendas tienen productos como cualquiera que te puedas encontrar en un centro comercial: zapatos de todas las tallas y colores, chaquetas de cuero, vestidos de marca o bolsos para salir de fiesta. Son establecimientos en los que puede comprar cualquiera sin ningún tipo de discriminación o vergüenza. Castro destaca que a las tiendas va todo tipo de público, desde amas de casa, estudiantes, turistas, las familias con pocos recursos, además de quienes van porque les gusta la ropa de segunda mano. «La mitad de la clientela es gente que está en riesgo de exclusión social y la otra mitad es gente que compra por ocio o que lo utiliza como modo de trabajo», explica.

En cada localización está a cargo una persona distinta. Mónica Alvear es una de las trabajadoras del Rastro Solidario Especial, mantiene el orden en la tienda y atiende a quienes entran a comprar ropa. En ocasiones, hay gente que se presta voluntaria para ayudar en la tienda obteniendo nada a cambio, además de residentes de la asociación que a veces echan una mano. «Nuestro día a día es muy movido, es uno de los rastros más concurridos que tenemos», asegura Alvear.

En cuanto al trato de la clientela admite que, por lo general, se saben comportar, excepto por algunas personas que vienen más alteradas, pero ella ha aprendido a tratarles con educación y tranquilidad. «Entiendo a mis clientes, aunque no tengan la razón siempre la tienen», aclara. Al contrario que otras tiendas que no tienen unas ventas estables, en el rastro siempre «vendemos un montón, sobre todo los primeros días de cada mes que es cuando la gente cobra». Además, destaca que en estos se pueden encontrar tesoros que en las tiendas normales no están.

«Me llena mucho verles salir de la tienda felices»

Hay quienes ven el rastro como una forma de ganar dinero y van a las tiendas a comprar ropa para revenderla. No solo para lucrarse en los mercadillos o mandarlos a sus países de origen, «vienen niñas para comprar y vender en sus colegios y entre sus amigas». Alvear admite que su trabajo lo lleva a cabo con mucho amor y que le encanta ver que la gente sale de la tienda feliz. «Es calidad humana, me llena mucho que con dos euros se puedan comprar un outfit que les alegra la semana», subraya.

La clientela crea una relación cercana y amigable con Alvear, en muchos casos ella recuerda sus nombres y conoce sus historias. Por ejemplo, Papis Ahmed, un cliente habitual que revende y regala la ropa en su país natal desde hace más de un año y medio. «Compro entre cincuenta y cien euros de ropa hasta llenar tres cajas y se la doy a amigos míos que regresan a África en barco para que las lleven a mi asociación», manifiesta. Asimismo, admira el papel del comercio y la acción social que lleva a cabo: «Es muy importante el papel del Rastro Solidario, gracias a su ayuda nos podemos permitir prendas que de otra forma no podríamos».

Hay personas como Mónica Alvear, Inma Castro o Papis Ahmed que han aprendido a tener un rol responsable en la vida útil de la ropa. Comprando segunda mano, trabajando para hacer posible el reciclaje de las prendas o motivando su reutilización. La asociación OSAD no es la única que cumple una función medioambiental obteniendo, al mismo tiempo, beneficios para ayudar a gente con pocos recursos, pero sí es una de las pocas que hay en las Islas. Un movimiento que en los últimos años ha crecido, aunque todavía queda mucho por enseñar a la ciudadanía canaria.

Alumnado de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna presentó el sábado, 27 de julio, en las Jornadas de Puertas Abiertas del Campus de Escultura de Lanzarote, las esculturas en la que trabajaron a lo largo del curso académico en las asignaturas de Fundación I y II. Las obras se exhibieron en la Fundación Curbelo Santana. El alumnado presentó su proyecto con un discurso explicativo. Centradas en el bronce y elementos moldeables, las obras tocaron ámbitos tan dispares como Freud o la migración. El numeroso público asistente valoró los trabajos presentados antes de visitar en el Parque Escultórico la nueva escultura del Campus: ‘Muéstrame lo que eres’.

¿Qué le hizo comenzar en la escultura y cómo fueron los inicios? «Un cierto convencimiento. Cuando estudié en los años setenta las universidades daban los títulos de profesor de Dibujo. Entonces yo tuve la oportunidad de sacarme una primera licenciatura. En 1978hice una licenciatura de Bellas Artes. Y en 1987 hice el doctorado sobre escultura pública en Barcelona. Mi puntal creativo era a partir de la escultura y la tridimensión. Apoyado con el dibujo y con el color, con los cromatismos».

Dentro de lo personal, ¿le resultó complicado a su entorno que quería dedicarse a algo que no existía en ese momento? «No, no resultó difícil. Realmente había una tradición más clasicista del concepto, porque la escultura era más estatuaria. La escultura sirve para conmemorar, entonces era el monumento y todos esos elementos figurativos. Tenía una Función ornamental que no estaba mal vista».

Ha comentado que la ironía roza la malicia en algunas ocasiones. ¿Qué obra destacaría como la más maliciosa y por qué? «El Dedo de Mauricio Cattelan. Es un dedo haciendo el corte de manga. Está frente a la bolsa de Milán. Es reivindicativo, desafiante y provocador. Tiene un sentido político, antidinero, antiliberalismo».

«En el arte no hay límites»

¿Qué consejo le daría al alumnado que va a dar sus primeros pasos en el mundo laboral? «Muy sencillo, trabajo, trabajo, y trabajo. Pero trabajo convencido. No es una forma de ser, es una forma de vivir, una filosofía. Aparte de la aptitud y de la pasión tienen que saber que van a trabajar duro. No hay límites, se trabaja por la noche, por la mañana y por la tarde. Con unas técnicas o con otras. Pero no es trabajar para producir más, sino para ir evolucionando sobre la forma. Porque en arte todo está inventado. No se trata de copiar ni de imitar sino de reinterpretar».

En la ponencia que impartió en el Campus de Escultura se refirió a algunas esculturas como una burla amable. ¿Suele ver este tipo de obras en su día a día? «Son cosas chocantes. Las mayores atrocidades desde el punto de vista objetual suelen pues estar puestas en las rotondas. Es un lugar periférico, residual, que tiene una función: dirigir el tráfico. Pero en muchos lados deciden decorarlas ahí. Que en Valencia pongan una naranja tiene lógica, pero hay ocasiones que usan cosas graciosas o incluso raras. No tiene sentido que estén ahí».

¿Qué aportó al alumnado del tercer Campus de Escultura? «Lo primero, la experiencia. Lo más importante, esta experiencia compartida. Es decir, compartida con el grupo. Cuesta mucho porque el artista tiende siempre a crear individualmente. Pero en este caso, el compartir el día a día, las comidas y hacer un proyecto conjunto es muy enriquecedor.

¿Qué lleva a un arquitecto a rodearse de artistas como Paco Curbelo y Rufina Santana? «La arquitectura es el primer arte plástico. De ella surgen todas los demás. Lo lógico y lo natural es que las artes plásticas, escenográficas y musicales estén incorporadas en la arquitectura, dependen de ella para su producción, exhibición y manifestación. Por lo tanto, es el arte el que se acerca y vive de la arquitectura».

¿De qué trabajo está más orgulloso? «Es difícil que un arquitecto que se ha dedicado, como yo, a tocar prácticamente la totalidad de las tipologías edificatorias sea capaz de segregar una de las otras. He hecho arquitectura sanitaria, docente, infraestructuras como estaciones de metro o centros de control de tráfico. Tengo una manzana completa edificada en el Frente Marítimo de Barcelona, de la que me siento muy satisfecho. El premio Ciudad de Barcelona que me dieron por la estación de metro me tiene muy contento. Los dos centros de control de tráfico de Barcelona, el del interior de la ciudad y el de las Rondas, también son obras mías. Y del segundo me siento especialmente orgulloso».

«Del alumnado aprendí la capacidad para salir de mi burbuja de comprensión»

Lleva más de treinta años enseñando. ¿Qué ha aprendido de sus estudiantes? «Muchísimo. Sobre todo, la capacidad de salirme de mi burbuja de comprensión para hacerla comprensible a otras personas. Muchas veces, al acceder al conocimiento de algo, te lo apropias tanto, lo haces tan tuyo, que terminas creyendo que el conocimiento que tú tienes de eso lo transmites fácilmente. Y no es verdad. Se requiere un grandísimo esfuerzo de volver a replantear todo el conocimiento que tú tienes para hacerlo asequible a una diversidad de individuos. Es necesario intentar entender la reacción que hay en el auditorio. Si te está entendiendo o si se está aburriendo».

En la charla que dio en el Campus de Escultura, destacó el dónde. Usted es de Barcelona. ¿Qué ha representado en su carrera? «Mucho. El dónde tú naces, el dónde te formas, es un alimento continuo que te está entrando por todos los poros del cuerpo. Por los ojos, por el grupo de personas, por las calles que transitas y por los bares que frecuentas. Te marca muchísimo. Por ejemplo, Barcelona es una ciudad que tiene un elemento tremendamente significativo, que es el ensanche con unas manzanas cuadradas achaflanadas en sus esquinas. Multitud de estudios son incapaces de superar esa estructura espacial de la manzana. Todo el mundo sabe cómo tiene que ser una ciudad. No es verdad. Sabe la ciudad que conoció y en la que creció, que es la que ha integrado a su yo».

¿Por qué cree que la escultura se centra más en el significado que en el dónde? «Los proyectos te tienen que remover la cabeza, no te pueden dejar tranquilo. Parte de ese proceso es la fase de pensar en el espacio. Lo que no se puede hacer es obviarlo. ¿Dónde vive el hombre? ¿En la escultura? ¿En la pared de un edificio? No. Vive alrededor de la escultura o vive en el interior. Por lo tanto, la finalidad es la calificación de ese espacio no de la obra en sí».

¿Qué espacio de Lanzarote le ha llamado más la atención a nivel arquitectónico? «Hay arquitecturas turísticas mejores y peores. Me interesa mucho la casa típica lanzaroteña, con sus simplicidades. Me entusiasma la combinación del blanco con el negro del basalto y, sobre todo, me encantan los techos blancos. Me parece que dan una continuidad a la envolvente de la casa en contraposición a los muros de basalto negro, me parece maravilloso».

¿Qué le hizo comenzar en el ámbito artístico? «Desde que soy muy pequeño siempre he tenido la necesidad de crear cosas con mis manos. Mi madre suele contar una anécdota de cuando era niño. Mi hermano tenía colgado un cartel de ‘Prohibido pasar’ en la puerta de su habitación, yo todavía no sabía ni escribir y copié ese cartel. Me da qué pensar que desde muy pequeño necesitase expresarme mediante procesos creativos. Desde entonces hasta ahora lo veo como un medio de exteriorización muy potente. Además, al ser valenciano y vivir las Fallas desde tan cerca crecí acompañado del aspecto escultórico y pictórico de esta tradición».

¿Su entorno le apoyó desde el principio con esa decisión? «Pues sí, y no solo que me apoyara, sino que mi entorno, especialmente mi padre, tenía claro que me iba a dedicar a ello incluso antes que yo mismo. Él me vio nacer y vio la necesidad que tenía desde pequeño de crear. Cuando me tocó decidir qué bachillerato estudiar me daba vértigo elegir Bellas Artes, porque no tiene una salida profesional estrictamente definida. Mi padre me insistió en seguir ese camino y gracias a él acabé aquí».

«Mi camino con el bronce empezó en la ULL, por eso le guardo un especial recuerdo»

¿Cuál es su colaboración profesional favorita? «Tal vez no fue tanto una colaboración, sino una relación profesional y es la que tengo con la Universidad de La Laguna. Mi último año de los estudios universitarios lo cursé en la ULL y fue la primera vez que hice fundición de bronce. Toda mi carrera profesional ha girado en torno a la fundición de ese material, tanto la artística como el ámbito docente. Además, allí conocí a Itahisa Pérez, docente de Bellas Artes, y creamos una bonita amistad y un vínculo profesional».

¿Qué le diría a la juventud a la que sus familiares no les dejan ser artistas? «Lo primero es que se lo crean. Que sean capaces de hacer ver el gran abanico profesional que tiene Bellas Artes. Es verdad que esta carrera no tiene un fin laboral definido, pero sí te proporciona la capacidad de abordar un amplísimo sector con mil salidas profesionales. Quizá su entorno se centra en que consigan un trabajo fijo. Le tienen miedo a la incertidumbre y por eso no ven las oportunidades que pueden llegar a tener».

También es profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche. ¿Qué le llevó a la docencia? «Creo que durante mi periodo universitario fui consciente de la importancia de tener un buen equipo docente. Es esencial que alguien haga bien su trabajo y te enseñe. El profesorado representa una figura crucial para amar u odiar una materia. La única manera de intentar que eso tenga calidad es promoverlo y por eso he apostado por ser buen profesor».

¿Qué le aporta el alumnado? «Continúo aprendiendo día tras día con el alumnado, es un feedback constante. En la universidad ya han alcanzado un punto de madurez en el que ya funcionan sin ayuda. Siempre digo que más que su profesor soy su asesor, estamos al mismo nivel. Proponemos los proyectos y conjuntamente los vamos llevando a cabo. Con mi experiencia puedo indicarles las carencias y mejorar los fallos. Se trata de una simbiosis».

¿Qué expectativas tiene de esta edición del Campus? «Pues espero que la magia que he encontrado desde el primer día continúe hasta el final, confío que va a ser así. Hemos creado un grupo muy entusiasmado por el proyecto que se está gestando. El día de ideación de la escultura fue algo muy bonito porque generar una obra en conjunto no es siempre fácil. Todo el mundo tiene unas ideas propias acordes con su preferencias creativas. Al final ponerlas todas en común y que nos complazca es muy complicado. Salimos del debate con una sensación de satisfacción general. Para mí ahora toca el proceso más bonito, la materialización de la escultura».

«Me hizo ilusión que me llamasen para participar en el Campus»

¿Qué pensó cuando Itahisa Pérez le propuso participar? «Me hizo ilusión, porque además es un proyecto que ya conocía de años anteriores. Tenemos la misma especialidad, nos apoyamos y hemos trabajado en muchos proyectos diferentes. Cuando me hablaba del Campus decía que ojalá pudiese ir algún año y que ahora se ha dado la oportunidad me parece maravilloso».

¿Qué cree que le puede aportar al alumnado durante la creación de esta escultura? «Experiencia. Mi visión externa para apoyar las ideas de la directora académica, Itahisa Pérez, puede ser muy importante para el proceso creativo».

Ha recordado en la presentación que el próximo año se celebra la IV edición del Campus de Escultura. ¿Cómo valoraría la evolución de esta residencia creativa a lo largo de los años? «Creo que es muy importante el crecimiento que ha tenido a lo largo del tiempo. Todos los inicios son bastante complicados pero el Campus no ha hecho más que mejorar. Es importante darle continuidad. El compromiso del Cabildo Insular de Lanzarote, en este caso el compromiso de la Consejería de Cultura, de continuar con este proyecto es evidente. Creo que es un momento clave para seguir invirtiendo y, sobre todo, reafirmar el  compromiso de las instituciones».

¿Qué aporta este Campus a la Isla de Lanzarote? «La Isla de Lanzarote a nivel internacional siempre ha tenido una representación cultural importante, y más lo vemos en la Fundación, en la Casa de Rufina Santana y de Paco Curbelo. Lanzarote tiene que seguir siendo referente, no solo dentro de Canarias, sino a nivel internacional. Tenemos que generar proyectos para que nuestra gente, sobre todo el estudiantado, pueda seguir creciendo y alimentándose también de la experiencia de artistas».

«Exportar las tradiciones, la cultura, y sobre todo, nuestro patrimonio»

¿De qué manera ayuda al conservar el entorno esculturas como las realizadas por el alumnado del Campus? «Cuando entras a la Fundación lo que se respira y lo que se siente te arropa. Incluso cambia la temperatura. Los materiales de la Isla, como la piedra, dan frescura. Creo que esa es la importancia que tenemos que darle al material que tenemos en nuestro territorio. Es necesario poner en valor nuestra materia prima y nuestros orígenes. Resulta clave exportar las tradiciones, la cultura, y sobre todo, nuestro patrimonio, fuera del territorio».

¿Qué nos puede contar del Campus de las Artes que dará comienzo el año que viene en la Isla? «Tenemos el compromiso desde el Gobierno insular de promocionar la cultura, impulsar las artes. Vamos a estar siempre del  lado del Campus de las Artes que abrirá en el 2025, al igual que lo estamos con el Campus de Escultura».

El arquitecto destacó que la complejidad reside en el dónde. «El espacio no existe hasta que alguien lo observa y lo aprecia», expresó. Habló de las luces difusas de un sol saliente en el arte de Turner. De Rothko, explicó como despegarse del plano y crear una atmósfera cerrada en los centímetros cercanos a la obra. «Para conseguir eso que todos queremos, espacio», apuntó. En cuanto al Rapto de Proserpina de Bernini en el patio del Louvre, Valcarce analizó la riqueza que aporta que la obra esté allí. «La simbiosis entre la escultura y su entorno es la mejor expresión de su esencia», comentó.

Ratificó que la mirada con la que se observa la obra es clave porque la visión unitaria queda englobada en la escultura. Además, destacó lo natural y orgánico de Chillida y citó al autor: «Es más hermoso el espacio que lo que colocas en él». Indicó que «las obras que han sido pensadas para habitar el paisaje tienen que ser vistas en un determinado lugar».

Por último, apuntó que el cómo es el origen de la realidad de la obra. «El escultor ya no lo puede hacer todo. La arquitectura pierde su orden rectilíneo y su rigidez, empieza a enriquecer sus formas», aseveró. El arquitecto mostró a El Guggenheim y al Auditorio de Tenerife como ejemplos de la función de la tecnología para dar expresividad a la arquitectura.

Aseguran que “somos la Lola Flores de los pódcast: ni vocalizamos, ni respetamos el turno de palabra, pero no se lo pierdan». En cuanto a este nuevo episodio en el Leal, Lupiáñez recalca que «lo mejor es no esperar nada». Socorro admite que será con la misma esencia de siempre, pero en un sitio más grande». Tras obtener su objetivo en la red social decidieron celebrarlo: «Ha sido un crecimiento muy orgánico y estamos muy orgullosos».

Excepto en ocasiones en las que hablan de un tema determinado, por lo general no siguen un guion, sino que improvisan. «Nos informamos mucho de la actualidad y de la persona invitada», indica Gerson. Asimismo, Ramos subraya que «un episodio del show se siente como jugar con tus colegas a la PlayStation, la conversación fluye sola». El grupo manda un mensaje para quienes no hayan comprado entrada: «Lo hemos vendido todo, algo increíble, pero nos encantaría que quienes dudaron en asistir vengan la próxima vez».

En la presentación mostró algunos de sus trabajos, desde la parte más íntima, como Artesanía de un surco, originado en su pueblo y con el objetivo de curar los huecos de la tierra. La artista contó que su obra fue devorada por una oveja, un guiño especial a la vulnerabilidad del ser humano. «Mi idea era regarlo cada día y crear una cicatriz verde, en su lugar fui consciente de que prestar atención al entorno es igual de importante que la obra en sí», indicó.

Asimismo, Loren es una entusiasta del trabajo en grupo y la retroalimentación creativa que esto conlleva. Como en las obras El ciclo del suelo vivo y Al hilo del paisaje. En las que «un equipo interdisciplinar e intergeneracional aportó sus conocimientos y eso representa una estructura constructiva», apuntó.

«Lo vegetal está hecho para desaparecer. El objetivo es que vuelva a ser uno con el lugar»

La artista usa todo tipo de materiales, los metales para una durabilidad mayor y elementos naturales para una relación cíclica más sostenible con el entorno. «Lo vegetal está hecho para desaparecer. El objetivo es que vuelva a ser uno con el lugar», recalcó. Esculturas como Alma´ y Matriz de agua,  explicó que simbolizan la importancia de los paisajes en su obra. «La clave se encuentra en la simbiosis entre el equipo de artistas y el lugar, las abejas, el agua y los árboles», mencionó Loren.

El Campus de la Universidad de La Laguna continuará hoy jueves con la creación de la escultura final durante toda la mañana y parte de la tarde. A las 19.00 horas, el estudiantado recibirá la conferencia Me gustaría que hablemos de aquello que no es escultura de la mano de Ventura, arquitecto y profesor de la Universidad de Barcelona.

La Fundación Curbelo Santana, presidida por Rufina Santana y Paco Curbelo, nació hace más de cuarenta años. La pintora y el escultor se centran en iniciativas artístico culturales tanto en la Isla de Lanzarote como en el ámbito internacional. Además de sus proyectos personales, hace tres años decidieron crear el Campus de Escultura, Arte y Naturaleza, residencia creativa, dirigida por el profesor José Luis Zurita, que une al alumnado de Bellas Artes y Periodismo de la Universidad de La Laguna. Gracias a esta iniciativa se está impulsando un parque escultórico en el municipio de San Bartolomé.

Ambos autores de Borea cuentan que su inspiración viene de haber sido criados en ciudades costeras por lo que han visto de primera mano el efecto del cambio climático en el mar. «He crecido al mismo ritmo que el mar iba siendo contaminado y he sido visto el cambio que ha significado para la ciudadanía de la zona», afirma Koppel.

Además, durante la retransmisión de las imágenes colocaran a una mujer vestida de sirena delante la pantalla, esta representa «a la población afectada por el empeoramiento del mar». La activista admite que como humanos ya hemos cruzado la línea, ya no hay vuelta atrás, ahora se trata de elegir «si vas a actuar y formar parte del cambio o si eres de quienes se rinden». Los dos aseguran que su conexión con el mar les ha impulsado a crear este espectáculo.

Estos espectáculos forman parte del proyecto Island Connect II, organizado por Europa Creativa. Tanto Koppel como Colocci tienen ganas de mostrarle al público la colaboración artística con Reyes. Asimismo, esperan poder transmitir y explicar su unión con el océano y que el mensaje le quede claro al público: «Tenemos que cuidar nuestro Planeta, ser activistas del cambio».

«Soy una persona de movilidad reducida, no me puedo mover como te mueves tú»

Su nombre es Verónica Luis Rosquete y es de esas personas que vemos a diario pero que pasan desapercibidas. Desde que perdió la visión en 2008 trabaja todas las mañanas vendiendo lotería en Santa Cruz de Tenerife. Antes de formar parte de las más de 4,3 millones de personas con algún tipo de discapacidad en España, trabajaba en el diseño web y gráfico. Tenía un título universitario, un trabajo y una pareja estable, pero la distrofia macular viteliforme de Best (BVMD), una enfermedad genética, le fue dejando sin visión. Ella misma acepta que «es un cambio enorme pero al final te acostumbras».

En cuanto a su trabajo actual admite que «me llena muchísimo, estoy en el quiosco protegida, sentada y con un buen salario. Aunque es cierto que a veces viene gente a engañarte o tomarte el pelo, da un poco de miedo». Decidió afiliarse a la ONCE el mismo año que perdió la vista, lo primero que hicieron fue llevarla a un oftalmólogo contratado por la Fundación, donde le hicieron las pruebas necesarias para convertirse en afiliada. «Una vez te unes tienes unos derechos y accesos a determinados servicios que te proporciona la asociación», explica. Rosquete destaca la posibilidad de optar a psicólogos, rehabilitación visual, ayudas ópticas, clases especializadas, etc. «Dentro de estos derechos tienes el de trabajar vendiendo cupones, para ello el Gobierno te debe dar la minusvalía de por lo menos el 33 %», comenta. En su caso es del 83 %.

«Mucho más que vender lotería»

Rosquete explica que la ONCE es mucho más que vender lotería, también tiene contratos con empresas externas, desde supermercados a tiendas de ropa. Así, indica que «las personas con discapacidad que decidan no trabajar vendiendo cupones pueden dedicarse a otro ámbito que se ajuste a sus habilidades». Además, para optar a estos cargos no es necesario afiliarte a la Fundación, solo tener algún tipo de minusvalía. Igualmente, unirse tiene muchas otras ventajas. «La mayor a nivel personal es que tienes derecho a todos los servicios, por ejemplo, poder usar el bastón o tener un perro guía», declara.

Asimismo, señala que se critica mucho a la juventud pero son el rango de edad que más empatiza, más incluso que la gente mayor. «Me ha pasado estar esperando en el semáforo y alguien joven me indique cuando se pone en verde. O en el tranvía me ceden el sitio. La gente de mi edad eso no lo hace», destaca. Por otro lado, el trato con personas desconocidas en su día a día es distinto al de cualquiera. Cuando va a un bar o cafetería sola lo primero que hace es indicarle a quién le atienda que es invidente y su nombre: «Yo también tengo que empatizar y entender, a mí no se me nota que no veo, por eso aclaro la situación, por beneficio mutuo».

Su perro guía, Sheilo, lleva con ella desde el 2013. Es su mayor ayuda al caminar y su mejor amigo. «Cuando lo cogí tenía a mi pareja ayudándome y todavía tenía resto visual, es decir veía sombras y luces. Sheilo ya tiene doce años y lo van a jubilar, así que estoy practicando a desplazarme con el bastón, no me queda otra», explica. Rosquete aclara que al principio no fue usuaria de bastón, lo usó muy poco, de día podía caminar bien pero de noche se desorientaba, por eso decidió coger a su perro guía porque «tener a Sheilo es volver a ver, el perro te quita todos los obstáculos».

En los últimos años se han logrado gran cantidad de avances tecnológicos, algunos ayudan a las personas con falta de visión. Rosquete destaca que el iPhone es el único sistema operativo que es accesible 100 %, puede chatear o llamar, entre otras cosas. «Hay aplicaciones en las que si tu me mandas una foto por WhatsApp me describe cada característica al detalle. Es una pasada», cuenta. También a la hora de desplazarse por la ciudad, en los semáforos tiene un mando con el que «puedo activar, la cámara del mando detecta sí está en rojo o en verde». Ella normalmente va por las calles que tienen el sistema sonoro activado, pero cuando no es posible, el uso de este dispositivo es muy útil.

«Gracias a los avances tecnológicos puedo ir al cine y al teatro»

Dentro de las consecuencias de perder la visón existen las positivas, como el trabajo que tiene, en el cual ha conocido a gente afiliada de la ONCE que no hubiese conocido bajo otras circunstancias. «Obviamente escucho música, leo libros, veo películas y series, las que estén audio descritas», comenta. Además, puede hacer uso de los 20 000 libros que tiene la biblioteca de la Fundación. «Puedo ir al cine, me ayudo de una aplicación. Escucho la película del cine, o sea el sonido original, la aplicación se sincroniza con este y me describe lo que sucede en las escenas», manifiesta. Asimismo, cuenta que en el teatro también ocurre, el Guimerá, por ejemplo, lo aplica en algunas de sus obras.

Por otro lado, están los rasgos negativos. «La pérdida de visión es un duelo, pero la vida sigue, el mundo no se para porque algo horrible te haya pasado a ti», explica. Además, confiesa que la persona se convierte en dependiente para absolutamente todo. «Hay cosas que quiero hacer y no puedo porque no veo, es tan simple como eso», añade. Finalmente, Verónica Rosquete concluye: «Con el paso del tiempo empiezas a entender a otras personas con discapacidad, cuando tú tienes tu vida normal, sin problemas, no te das cuenta simplemente».

El propio artista admite que al principio sus expectativas eran escasas, pero tras cien bolos no duda que las personas que asistan salgan con una perspectiva distinta del circo. «El público infantil se entretiene mucho con los efectos especiales, pero el adulto lee el subtexto, comprende la melancolía, la soledad y el aburrimiento de la rutina», explica.

Con esta obra, espera cambiar la forma de pensar de la audiencia sobre este arte: «A veces se relaciona al payaso con lo infantil , tras ver este espectáculo a la gente se le rompen los esquemas, cambian de visión completamente».

A pesar de ser una obra cómica, Borrallas afirma que en ocasiones le han dicho que no se esperaban que hubiese momentos tiernos y poéticos: «Se han llegado a emocionar, a parte de reír han acabado llorando». Además, cuenta que el mensaje del título va referido a la doble cara del éxito, pues «quiero hablar del contraste del artista que triunfa y es querido por todas las personas con la soledad que puede sentir cuando se va al camerino y no tiene a nadie con quien hablar. Por eso se llama Solo. Después de estar tan acompañado se siente solo».

El título de su último álbum representado con velas que lentamente se iban apagando indicaba el comienzo del espectáculo. Desde que sonaron las primeras notas de bad idea right? el público se puso de pie y comenzó a hacerle coros a la cantante. La joven americana, arropada por luces moradas y rojas, bailaba y saltaba al ritmo de la música. Con una energía vibrante que se transmitía a la audiencia cantó la siguiente canción del set list, Ballad of a homeschooled girl.

La alegría dio paso a una de las canciones de su nuevo disco, Vampire. Dos lunas llenas en la pantalla y una Rodrigo sentada en el escenario hipnotizaron a las más de 17 000 personas que cantaban a la vez: «I’ve made some real big mistakes but you made the worst one seem fine».

Drivers license, un himno que une generaciones

Una frase que marcó el 2021 de gran parte de quienes ayer compartieron un mismo sentimiento, y que llorando se desahogaron de todo lo ocurrido desde ese año fue: «Brown guilty eyes and little white lies». A continuación, llegó la que es posiblemente la más conocida de todas y la del inicio del primer disco que sacó al mercado. Drivers license, un himno que une generaciones y que unió a todo el Palau.

El último disco también estuvo muy presente, cantó canciones como Teenage dream, Pretty isn’t pretty y Logical. Para dar paso a un momento íntimo con Enough for you, en el que la cantante se subió a una luna morada y tras decorar el estadio con estrellas lilas viajó por encima del público que se encontraba en pista. Recordándonos que, aunque nos hayamos encontrado con gente que no ha sabido apreciarnos, encontraremos a quien sí sepa y decida querernos de la forma más bonita y sana que podamos imaginar.

Momentos previos a tocar So american, la única canción en la que habla de un amor que la trató bien, Rodrigo decidió cantarle feliz cumpleaños a una chica de la audiencia, Martina, quien recibió el mejor regalo que cualquier fan puede desear.

Happier fue la siguiente canción que cantó acompañada por su guitarrista. La artista decidió compartir una pequeña anécdota del nacimiento de ese single, aseguró que se le ocurrió «I hope you are happy, but don’t be happier» mientras rodaba el episodio de un programa de televisión y tuvo que mentirle a la directora diciendo que necesitaba ir al baño urgentemente para poder apuntar la letra y que no se le olvidase.

Asimismo, decidió interpretar Favorite crime y Logical seguidas, una combinación que consiguió que toda la audiencia llorase y cantase a pleno pulmón. Ambas piezas tienen cosas en las que no se parecen, pero lo que sí tienen en común es el dolor con el que Rodrigo las interpreta, conectando con el público y con sus experiencias personales. Al ver la intensidad con la que le hacían los coros, preguntó con ironía si nos habían roto el corazón alguna vez, hubo quienes rieron ante la pregunta y quienes callaron, sabiendo que la respuesta era obvia.

Tras momentos en los que la cantante se dirigía al público y leía los carteles que llevaba la gente se iba acercando el fin del concierto. Casi sin voz y sin más lágrimas que echar el público disfrutó de Obsessed, All-american bitch y Good 4 you, todas de distintos álbumes, pero diciendo lo que no somos capaces de admitir, por vergüenza, rencor, enfado o porque no queremos que esa persona sea consciente del daño que nos ha hecho.

Y lo inevitable sucedió: tras una hora y cuarenta minutos de terapia el concierto terminó con Get him back!. Rodrigo nos pidió pensar en alguien que nos enfadase de verdad y dedicarle esa canción usando toda la rabia que teníamos contenida. Ya puesto el mono rojo de lentejuelas, el último outfit del espectáculo, la artista nos ayudó a deshacernos de todo el dolor vestido de rencor que representa la canción.

Tras terminar, se despidió con una sonrisa de las suyas, un «muchas gracias» con acento americano y dejando al público con ganas de más. Porque personas como Olivia Rodrigo, que en una noche te regalan las estrellas, la luna y la mejor noche de tu vida, hay pocas.

Irene Álvarez, actriz y directora de la Compañía, asevera que el objetivo de esta comedia improvisada es hablar sobre pequeños errores que vemos en las personas, y que hacen que seamos como somos. Pero, sobre todo, aprender a reírnos de nuestros propios errores. Sus expectativas en cuanto a la acogida del público es que pasen un buen rato, que rían mucho y que incluso se lleguen a interesar por el arte de la improvisación teatral. La directora admite que «esperamos que salgan con buena sensación y quieran repetir. Nos encantaría repetir esta obra en este espacio». 

La obra gira alrededor de aprovechar los errores que ha cometido la audiencia alguna vez en su vida para usarlos en el escenario, Álvarez asegura que se han encontrado con historias y anécdotas de todo tipo: «Hay de todo, desde el aquel gran error cometido por amor hasta errores con la autoridad». No es su primera vez actuando en Tenerife ni será la última, ya que llevarán este espectáculo a otros rincones de la Isla. «Nos encantaría poder jugar con los peores errores de quienes decidan compartir sus recuerdos; historias que las cuentas y te ríes pero que en su momento fue algo horrible y traumático para la persona», indica.

¿Qué le impulsó a crear DTProject? «Este proyecto nace porque me comprometo, junto a mi mujer, con acoger a una niña refugiada del Sáhara. Veo sus circunstancias de desnutrición y las dificultades que tiene para recibir tratamientos médicos. Nos choca tanto su situación que decidimos hacer algo. Como soy músico siempre tengo un escenario y gente que va a escuchar lo que digo, por lo que decido hacer un disco sobre todo esto. Terminamos creando una obra audiovisual que cuenta algo, desde la problemática hasta las soluciones y cómo se puede participar».

¿Qué es 2lives y cómo nació? «Adquirimos este local para formar una familia y que así lo sintiera la gente de la calle. Todos los proyectos de DTProject han sido algo itinerante. Un día nos preguntamos ¿por qué no abrimos un espacio que permita que las personas conozcan lo que somos? Dicho de otra manera, una especie de escaparate que nos una y permita comunicarnos entre todas. Aparte de justicia social, nos permite hablar también de temas que nos preocupan, como el medioambiente, el reciclaje, entre otros».

¿Cuáles son sus objetivos? «Nuestros objetivos actuales creo que no han cambiado demasiado. Siempre han sido visibilizar todas las injusticias y problemáticas que hay, dar voz e intentar ayudar a las personas para que participen y salgan de su zona de confort. Cumpliendo siempre con nuestros valores: inspiración, compromiso, sostenibilidad, integridad, dignidad e igualdad».

«La donación de ropa se traduce en ayudar, dar voz y visibilizar»

¿Cuál es el objetivo de las donaciones de ropa, juguetes, calzado y libros? «Cuando abrimos 2lives la idea era que la gente entendiera que no nos hace un favor donando la ropa. Lo que estamos intentando es que participen, que den soluciones. Por eso en el cartel pone que somos un espacio de participación colectiva y de solidaridad. La gente dona la ropa, nosotros la revisamos y miramos que esté en buen estado, que cumpla con lo que nosotros entendemos que es la dignidad humana».

¿Cómo funciona la cadena de recolección, limpieza y desinfección para que los productos lleguen a la tienda? «Toda la ropa se lava con productos que respeten el medioambiente. Se plancha, se prepara y se le da un valor. Una parte vuelve aquí arriba, otra parte llega a la gente que está en situación de calle a través de diferentes entidades, otra sale para centros con niños con autismo, otra sale para una casa de acogida de víctimas de trata. 2lives es una pequeña parte de la ayuda que proporcionamos».

¿Cómo se mantienen los valores de DTProject en el proceso? «2lives no es como otras tiendas de segunda mano. La gente no está comprando, sino que está participando, porque sus recursos van a llegar a personas refugiadas, van a llegar a las chicas que son supervivientes de trata, va a permitir que demos visibilidad a través de charlas. Al final es que haya un reciclaje real de todo. Yo siempre digo que tu donación de ropa se traduce en ayudar, dar voz y visibilizar».

Palabras como inspiración, dignidad, integridad, decoran la tienda. ¿A quién se le ocurrió y por qué decidieron colocarlas en las paredes? «Cuando construyes una asociación es importante saber hacia dónde vas, qué es lo que quieres conseguir y cuáles son tus objetivos. Nosotros tenemos una visión y unos valores, eso forma parte o debe de formar parte de cualquier entidad social que tenga las cosas claras, para saber qué es lo que pretendes con esta. Cualquier cosa que hagamos tiene que estar ahí dentro, si no está ahí dentro no la vamos a hacer.  Al final puedes estar haciendo cosas que no cumplen con tu visión, entonces te desvirtúa del camino y de tus metas».

¿Cuál es el público de 2lives? «Yo creo que hay un poco de todo. Gente de la isla y gente que viene de otros sitios también. Tanto universitaria, como madres solteras o de la calle. Tampoco hay muchos sitios así, tristemente. Me encantaría que hubiesen más, porque para nosotros no suponen competencia. Nosotros no estamos aquí para ganar dinero.

El espacio es sede de talleres, conciertos… Cuénteme un poco sobre estos proyectos… «No es una tienda, sino un espacio que presta servicios. Puede ser ropa o puede ser clases de música. Por ejemplo, hemos tenido talleres para mujeres que nos derivan de Cruz Roja y de Cáritas. También con este tipo de actividades, presentaciones, conciertos y exposiciones de fotografía pretendemos que la gente entienda lo que somos realmente. Si entra en lo que es nuestra misión, visión y valores, se hace. En cuanto a los conciertos, solemos organizar entre tres y cuatro cada año».

¿Qué otras iniciativas hay en DTProject? «De DTProject nacen distintas iniciativas. Proyectos tenemos seis: El Color de la Tierra, Historias de un sueño, Sophia, Hacia la Libertad, Grandes Esperanzas y En la carretera. El primero trata sobre infantes que vienen de los campos de refugiados saharauis. Llevan viviendo en estos desde hace ya cerca de cincuenta años, sin agua, sin comida y sin nada. Nosotros trabajamos para dar visibilidad a esta juventud, compatriotas nuestros y que, además, puedan salir para recibir todos los beneficios».

¿Qué otros programas hay en DTProject? «Tenemos también seis programas: Sinergia, Pem, ColorUcrania, LINK y 2lives. Cuando hablamos de 2lives es solo una pequeña parte dentro de algo que es mucho más grande. El último programa, que sale en noviembre de este año, tiene que ver con la trata de seres humanos con fines de explotación sexual. Sobre todas aquellas muchachas que viajan a través de un falso trabajo, que son encerradas en pisos y obligadas a ejercer la prostitución. Estamos trabajando en un documental. Tendrá un potencial muy fuerte, a nivel de sensibilización, de información, de rescate y acompañamiento de las chicas».

La Fan Zone de la Selección Española de fútbol arrancó ayer sábado, 1 de junio, en La Plaza del Adelantado, La Laguna, y terminará hoy, 2 de junio. La entrada es gratuita y el horario es de 11.00 a 14.30 y de 16.00 a 20.00 horas. Está formada por una exposición fotográfica que muestra el recorrido de la Selección en el Mundial del 2023, tanto los partidos en los que ganaron como en los que perdieron. Además de una breve explicación de lo sucedido en dichos encuentros. También se puede disfrutar de una serie de actividades como el chutómetro, futbolines, fútbol+, photoboot, juegos y concursos con premios como seis entradas para el partido del martes, 4 de abril, en el que las jugadoras se verán las caras una vez más con la Selección Danesa. Asimismo, se encuentran en exhibición los trofeos ganados por el propio combinado: el Mundial y la Liga de Naciones. Todo acompañado por música y un DJ.

Con más de una decena de banderas y pañuelos palestinos, camisetas decoradas por el propio estudiantado con frases como «Free Palestine» y las ganas de cambiar el mundo, el variopinto grupo acampa en el Campus de Guajara desde el pasado martes, 14 de mayo, a esperas de saber cuántos días más les quedan allí. 

A las 12.28 horas pausaron los cánticos para dar paso a la colocación de una insignia y a la lectura de un manifiesto en el Aulario. Un pequeño grupo subió hasta el último piso y desde el interior del edificio colocaron una gran bandera de Palestina que tomaba prácticamente dos pisos. Con aplausos y con el cántico «Rector es tu deber romper con Israel» remarcaron que no se irán hasta que la ULL no se convierta en otra de las universidades españolas que han cortado lazos con Israel.

A continuación, Ancor García y Mariel Aabassati, organizadores de la concentración y miembros de la asamblea estudiantil GARA, leyeron el escrito desde la tercera planta de la Facultad. Con voz firme y un serio semblante le pidieron a la ULL que actuaran inmediatamente, pero dirigiéndose en concreto al rector, Francisco García. Afirmaron que habían desarrollado un documento de once páginas indicando las cosas que se ha hecho incorrectamente por parte de la Universidad y qué se debería llevar a cabo para apoyar a Gaza.

Con pasión y sentimiento García lamentaba la muerte de la población palestina asesinada durante los últimos 36 años por parte del Gobierno israelí. Además, recalcó que tanto asociaciones como algunas ONG se habían puesto en contacto con la asamblea, pero que no habían escuchado nada del rector. Continuó leyendo el manifiesto Aabassati, dirigiéndose al Gobierno estatal: «Le recordamos que reconocer a Palestina como estado no es suficiente».

Terminaron diciendo «este rector puede y debe romper sus relaciones con Israel» que fue acompañado por el resto del grupo gritando que «desde el río hasta el mar, Palestina vencerá” y «¡Que viva Palestina libre! ¡Viva!». Tras el intenso cierre y después de casi una hora de concentración, quienes participan en la acampada volvieron a sus casetas de campaña. Un día más con las conciencias tranquilas y el corazón lleno, sabiendo que están aportando su granito de arena a la sociedad. 

David Tapia, director del espacio donde se celebra el evento, afirma que «Rogelio te va contando sus historias, sus vivencias, lo más importante es que tiene que ver con la humanidad, en una sociedad en la que parece que esto cada vez importa menos». Se trata de un concierto personal e íntimo en el que se comparten experiencias. «Queremos ver su corazón a través de todo eso y ver por dónde late», manifiesta Tapia.

Tapia explica que el hijo de Botanz es la sexta generación que no ha vivido en la tierra en la que nació, todos han tenido que viajar por diferentes motivos, una situación común para mucha gente. Como invitado especial, estará el padre del propio cantautor, conocido como Papá Botanz. Finalmente, espera que esto motive a todas las personas a acudir al evento y compartir sus recuerdos.

No se trata de una bolsa de plástico llena de aire. El ya bautizado como Air Swipe está fabricado con un aerogel que usa la NASA para capturar polvo de estrellas. Este complemento es especial y único. Es uno entre un millón. Se trata de uno de los mayores avances a nivel científico que ha hecho la moda en el último siglo. Es el sólido más ligero de la tierra y una de las piezas de moda más poéticas y bellas que veremos.

«La moda no tiene límites»

El bolso ha servido como modelo base para crear distintas variantes. Desde oro macizo, tallado en piedra gris y salpicado con fragmentos de un meteorito, hasta hecho de cristal a través del soplado de vidrio. Habrá quienes duden de la funcionalidad de estos modelos sin intentar comprender lo que representan. La moda al crear piezas tan trascendentales cruza fronteras. Crea movimientos culturales, sociales y generacionales.

A nadie se le ocurriría criticar el precio de La Mona Lisa, pero si el de un vestido de alta costura. Como sociedad tenemos un pacto no hablado de que determinadas piezas de arte tiene un valor incalculable. Su precio no debe ser juzgado o infravalorado, sino admirado. La moda no se creó para desprestigiar una pieza por su valor económico, sino para generar emociones y controversia. Es el resultado de todas las ciencias unidas. De años de investigación, del psicoanálisis de distintos segmentos de la sociedad y de la forma más pura y real de representarnos como individuos.

Resulta bonito pensar que no se trata solo de un material que viaja hasta el espacio. Sino que unifica los restos de los astros y une a la sociedad. Se ponga a la venta o no, el simple hecho de que haya sido soñado, diseñado y se le haya dado vida es una prueba de que la moda no tiene límites.

La Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias acoge la exposición Xaxo hasta el próximo jueves, 14 de marzo. El horario de visita es de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas. La entrada es gratuita. El nombre de la exhibición corresponde a la momia guanche mostrada en el Museo Antropológico de Madrid. Se trata de una protesta ante el uso del patrimonio canario que han extraído del Archipiélago. Además de una queja hacia el mal uso de la palabra momia al referirse a los xaxos, que era cómo se denominaban los cuerpos guanches embalsamados. La artista Nayra Martín muestra su cuerpo desnudo en una vitrina dentro de la exposición durante horas, comparándolo así con el de uno de las personas aborígenes. El objetivo de esto es agitar la conciencia de la gente.

La Casa Steiner Tenerife acogió ayer sábado, 24 de febrero, una jornada de puertas abiertas con el objetivo de dar a conocer el centro al público. Algunas de las actividades fueron talleres de pintura, una visita a las instalaciones, un taller de fieltrado de lana y un cuentacuentos, además de un almuerzo con menú benéfico. En el evento participaron un total de ocho infantes y sus respectivas progenitoras y tutores legales.

La jornada comenzó con la creación de collares con lana fieltrada. Bajo la supervisión de Concepción González, directora pedagógica de la casa, la juventud pudo crear collares con unos tonos muy coloridos con la ayuda de sus parientes más cercanos. La segunda actividad fue el teatrillo, que relataba una breve historia sobre un pastor con la moraleja de cuidar la flora autóctona canaria. En el participaron la directora y Xavier Alà, presidente del centro.

«El método Steiner es una pedagogía pensando, sintiendo y haciendo»

«El método Steiner es una pedagogía pensando, sintiendo y haciendo», contó González. La participación de familias de toda Europa crea una comunidad muy multicultural, que han buscado y trabajado a través de redes sociales a lo largo de los años. Este evento se ha realizado para que las personas «en vez de venir con una cita previa o entre semana, vengan en las jornadas ya que son una buena oportunidad para ver como funciona el centro de manera norma», explicó Alà.

El acto terminó con un almuerzo benéfico cocinado en las instalaciones por el propio personal con un coste de cinco euros. La finalidad de la comida era recaudar fondos para seguir manteniendo esta institución y darles a probar a las personas que asistieron alimentos típicos de Canarias. «Todo lo que hacemos tiene un sentido, es útil y bello», declaró la directora.

El Tenerife Espacio de las Artes (TEA) acoge la exposición Insolación hasta el próximo domingo, 25 de febrero de 2024. El horario de visita es de martes a domingo de 10.00 a 20.00 horas. La entrada es gratuita. Esta exhibe una amplia variedad de pinturas de Sofía Bassi y José Martín. Además de las obras visuales de Beatriz Santiago, los dibujos de Raimond Chaves junto a Gilda Mantilla, se incluye una escena de martirio del S.XVIII de autor anónimo. Esta muestra enseña la relación entre el arte y la apocalipsis, los distintos autores enlazan la catástrofe, la influencia de la naturaleza cambiante, la ciencia ficción y la religión usando una serie de herramientas artísticas visuales, verbales y sonoras. Las claves para dar fluidez a la exposición son las dos entrevistas realizadas a Clarice Lispector y a Pier Paolo Passolini, ambas se encuentran también en YouTube.