María Azcárate (Mía) es diseñadora de moda y fundadora de MIA Sustainable Collection, una empresa canaria de ropa sostenible que lucha contra el consumismo, la mala gestión de los recursos, la falta de trabajo local y el modelo fast fashion (moda rápida y contaminante), siendo este un problema que, a pesar de que existe desde hace muchos años, se está promoviendo cada vez más en la economía mundial debido a las microtendencias de las nuevas redes sociales.

¿Qué es la fast fashion? «Es el consumo desmesurado de ropa. No somos conscientes del porqué la estamos comprando en muchas ocasiones, ya que estamos satisfaciendo una necesidad inmediata que nos juega en contra. Cuando lo relacionamos con las redes sociales nos damos cuenta de que no podemos repetir la misma ropa, debemos ser diferente… Al final, todo es psicológico. Son compras abusivas e inconscientes».

¿En Canarias es un problema? «Sí, debido a la globalización han llegado muchísimas industrias de todo el mundo que no nos cuentan de dónde viene el producto o cómo lo hacen. Hay empresas de todo tipo que se centran en la fast fashion. Aquí tiene más hincapié debido al turismo que ha atraído a grandes masas cuyo dinero no se queda en las Islas, sino que se va a otro lugar».

«La moda sostenible paga bien a las personas que la trabajan»

¿Cuál es el propósito de la moda sostenible? «La sostenibilidad es algo que se sostiene en el tiempo. Hay que diferenciar la moda sostenible del slow fashion (que es dejar de consumir tanto, hacer intercambio de ropa, comprar de segunda mano…). Si algo se ha producido de tal forma que pueda cerrar el ciclo, desintegrarse y volver a la tierra de donde viene, es moda sostenible. Es una prenda que no explota los derechos humanos ni el medioambiente».

¿Es cierto lo que dicen sobre que la moda sostenible es cara? «No podemos hablar de caro o barato cuando comparamos cosask que son incomparables. La moda sostenible es consciente, paga bien a las personas que la trabajan, desde el cultivo de la semilla de algodón hasta el tejido y la prenda. Además, en el proceso se cuida el medioambiente. Si tenemos en cuenta esto y lo comparamos con un precio irreal del valor de un producto que no ha tenido en cuenta estos puntos y ha explotado a gente por el camino, pues no es lo mismo».

¿Qué otras opciones tendría la ciudadanía para evitar caer en la compra de moda rápida? «Hay que empezar a ser consciente, consumir menos y entrar en el slow fashion o pasos a seguir para llegar a comprar de forma responsable».

¿Piensa que las microtendencias actuales suponen un problema para el medioambiente? «Donde hay que poner el foco es en la educación y en la cooperación mundial. Es necesario generar comunidad y comunicar el trabajo detrás de una prenda y un estilo de vida que no es consciente con el Planeta. Las redes sociales son la forma que tiene la juventud de informarse y llevar a cabo las tendencias. No hay que fomentar el máximo consumo con precios baratos».

¿Es culpa de las grandes empresas o el cambio es individual? «El cambio es individual. Somos responsables de cada acción que tomamos y de cada compra que hacemos. Para mí, una compra es un voto con el que eliges el tipo de sociedad y futuro que quieres. No podemos esperar a que venga de arriba. Ahí hacen lo que la mayoría del pueblo quiere. Tenemos que aprovechar la conectividad que hay hoy en día para mejorar».

La moda es la segunda industria más contaminante del planeta después del petróleo. Cada vez son más las personas que buscan ayudar al  medioambiente mediante la reutilización de las prendas de vestir que ya no les sirven. Sin embargo, la ropa que no se recicla adecuadamente suele terminar en los barrancos o en el océano. Sandra Cozzi es una de las responsables de Canarias Recycling, centro de reciclaje textil en Santa Cruz de Tenerife, cuyo objetivo es recuperar y dar otra vida a los residuos de este tipo en las Islas.

¿Cuál es la labor de Canarias Recycling? ¿Por qué es tan importante para el medioambiente? «Gestionamos residuos textiles. Hemos colocado alrededor de setecientos contenedores y trabajamos con municipios, universidades y Puntos Limpios. Una persona consume alrededor de catorce kilos de ropa al año. Empezamos a recoger en 2010 dos por habitante anualmente y esa cifra se ha mantenido, lo que quiere decir que pasa el tiempo y no hay más conciencia medioambiental. Nuestro objetivo es tratar de captar esos doce kilos sobrantes que están mal gestionados».

¿Qué impacto medioambiental generan los textiles cuando no se reciclan? «Un textil en el bosque es inflamable, sobre todo si está hecho de poliéster. Mucha de la ropa en la basura va al vertedero. Hay personas que piensan que una vez llegue a la Planta Insular de Residuos Sólidos se separa, pero no es así. Al estar mezclada con el resto de materias se prensa y no se puede salvar nada».

¿Es en Canarias un problema grave teniendo en cuenta el paisaje? «Existe basuraleza textil en las Islas. Cuando se deja una caja abierta con ropa al aire libre pues el viento se la lleva, una persona la revuelve buscando a ver si algo le va bien… Al final, todo eso termina en la basura, en barrancos o montes, e incluso en el océano. En Candelaria llegaron a encontrar un vestido de novia en el mar. Es necesario prestarle atención a estos sucesos».

«Tirar a la basura 2700 litros de agua no es ético»

¿Cuánta agua se utiliza para generar la ropa? «El consumo de agua para fabricar una camiseta es de 2700 litros. Termina siendo un equivalente a tres años del agua que bebemos. Esto está en línea con los Objetivos de Desarrollo Sostenible, en concreto el de agua limpia y saneamiento. Hay poblaciones que a día de hoy no tienen agua corriente, y tirar a la basura esa cantidad de líquido no es ético. En cuanto al CO2, un pantalón produce alrededor de cinco kilos».

¿Cuáles serían las buenas prácticas de la ciudadanía? «Cada persona es libre de hacer lo que considere, pero en caso de llevar la ropa a una ONG es necesario ir directamente y preguntar. No hay que dejar la ropa en un lado porque eso no es sostenible. Existe la opción del contenedor para quien quiera y pueda usarlo, ya que se puede poner todo tipo de textil, calzado, pañales, sábanas, accesorios como la funda del móvil, una cartera… Inclusive juguetes de peluche o de lana».

¿A dónde llegan estos textiles después de ser situados en los contenedores habilitados? «Los trasladamos y después van a una planta de procesado. Allí se separan y clasifican hasta cincuenta categorías diferentes de ropa, tanto por la variedad como por la calidad del producto. Hay empresas que se dedican a hacer hilaturas, así el residuo textil se convierte en una materia prima que se puede utilizar para lograr una economía circular».

¿Cómo es el proceso de separación de la ropa que viene, por ejemplo, con manchas de lejía? «Aunque tenga manchas de lejía, de pintura o no esté en buenas condiciones, la prenda se recorta y se hacen trapos. Cuanta más mezcla haya, más difícil es reciclarla. Lo que no se puede reutilizar se tritura para hacer rellenos. Al final, lo que realmente interesa es no quitar más recursos a la Tierra, sino aprovechar los que ya tenemos».

En la antigüedad existían grupos que tenían estilos definidos como el hippie, rockero o pijo. Ahora cada vez son más las personas que encuentran su identidad y necesitan un nombre concreto para sentirse integradas. Este es el mundo de la estética (aesthetic). Hace referencia a aquello que produce placer a la vista de cualquier manera y lo abarca todo, reivindica la libertad de expresión. Puede manifestarse en los conjuntos del día a día o en la decoración del hogar. Resulta una manera sostenible de evitar el consumo excesivo de ropa y contribuye en gran medida al medioambiente.

Esta tendencia surgió de forma oficial en 2020, en plena pandemia. Las personas que pasaban su tiempo en TikTok para entretenerse empezaron a crear vídeos con un estilo más definido, trayendo de vuelta antiguas modas o vestimentas que no se llevaban (de la década de los ochenta, noventa e incluso de periodos históricos como el Romanticismo). Poco a poco, se fue difundiendo hasta que todo el mundo expresaba su forma de ser en cualquier aspecto de su vida.

En la actualidad hay más de quinientas estéticas conocidas. Sin embargo, existen varias que son las más famosas debido a su difusión en las redes sociales por su generalidad. Los ejemplos más claros se encuentran en femme fatale (la mujer fatal), dark academia (libros y aprendizaje), cottagecore (naturaleza idílica), grunge (rebeldía oscura) y old money (antiguas familias adineradas).

Femme fatale muestra a la mujer fatal, aquella que es peligrosa, atrevida, inteligente, coqueta y seductora. Pone de manifiesto el poder de las mujeres y la seguridad de sentirse bien consigo mismas en la ropa que lleven. Suele ser representada en muchas películas, el ejemplo más popular es el de la actriz Scarlett Johansson en Viuda Negra. Lleva un aura de misterio y elegancia a su alrededor. Sin embargo, esta no es la primera vez que se visualiza esta estética en el mundo.

Saltó a la fama con el género cinematográfico del cine negro y la literatura del mismo estilo del siglo XX. La primera femme fatale más destacada es Brigid O’Shaughnessy con su papel en la película El halcón maltés (1941). Utiliza su belleza como distracción para asesinar a la pareja del protagonista.

En cuanto a la personalidad, una persona femme fatale evita dar información de ella misma. No suelen mostrar sus verdaderas emociones y las esconden tras una máscara de dureza. Son independientes, por ello no suelen tener pareja fija y utilizan cualquier medio para poder conseguir sus objetivos. La ambición es su guía principal.

«Femme fatale reivindica el poder de las mujeres»

Los colores que utiliza en su ropa son en mayor parte oscuros y rojos. No suele llevar estampados de ningún tipo, solo prendas monocromáticas. Los accesorios son algunas joyas o bolsos minimalistas que no destaquen, ya que la verdadera distracción es su labia y comportamiento. También usan abrigos de piel sintética.

A menudo llevan un perfume característico para que cuando se vayan recuerden su esencia. Es como una marca personal. Respecto al maquillaje, pintan sus labios de diversas tonalidades de rojo, además de utilizar largas pestañas negras que decoren sus ojos con una sombra sencilla que los resalte.

La estética Dark academia se relaciona con la escritura, poesía, bellas artes y arquitectura clásica. Refuerza la idea de la importancia de la educación superior y el aprendizaje. Las personas que se suman a este aesthetic tratan siempre de estar leyendo en bancos de madera o en bibliotecas. Su influencia viene de las culturas del periodo del Renacimiento, Barroco y, en menor medida, Romanticismo. Comenzó en 2015 en la plataforma Tumblr.

Las personas recomendaban libros clásicos en la red social de blogs para conseguir más audiencia. Esta tendencia pasó a ser conocida en YouTube, donde diversos booktubers (término que se refiere a influencers de libros) elaboraban vídeos para fomentar la lectura y la estética de las librerías. Hacían más hincapié en la visita de lugares que se parecieran al castillo de Hogwarts de Harry Potter.

La romantización de las universidades e instituciones es algo típico de esta estética. Realizan una conexión sentimental con el estudio y las buenas notas, idealizándolo. Analizan obras de arte y discuten las nuevas publicaciones literarias en sus lugares de reunión.

«La poesía y las bellas artes son propias de la dark academia»

Este aesthetic hace uso de colores negros, marrones, beiges, verdes oscuros, cremas y dorados. La iluminación se basa en la simple llama de una vela, ya que suelen realizar sus actividades en la tarde o noche. Muchas casas siguen la dark academia para la decoración de ciertas habitaciones como el salón o el comedor. El uso de la chimenea con un sofá al lado mientras llueve es una de las imágenes más reconocidas para representarla.

En cuanto a la ropa, las personas académicas llevan largos abrigos en tonalidades oscuras, pantalones que suelen ser de cuadros o monocromáticos, faldas del mismo estampado, botas negras o marrones y mochilas de cuero artificial. Las temporadas en las que más se suele utilizar es en otoño o invierno, así que los conjuntos más abrigados prevalecen ante los veraniegos.

El cottagecore representa la vida rural y campesina. Conecta con todo aquello que tiene que ver con la naturaleza, como las flores, el campo, el exterior y el sol. Idolatra el concepto de la vida sencilla y autosuficiente, muy idílica. A las personas con esta estética les suele gustar el oficio de la agricultura y ganadería. El cuidado por los animales y las plantas es primordial. La verdadera tranquilidad la encuentran en un descampado con pájaros cantando.

La comida también es importante. Celebran la generosidad de la Tierra con canastas llenas de hongos, bayas y otras frutas frescas, y resaltan la alegría que se encuentra en la actividad cocinar. Productos horneados, pan y otros alimentos dulces también aportan un ambiente acogedor. Transmiten la calidez y el trabajo romántico asociados a su elaboración tradicional.

La luz, destellos y desvanecimientos son esenciales en sus imágenes. Tienen una edición muy brillante, soñadora. La presentación del cottagecore suele ser borrosa, como si vivieran en un mundo paralelo en el que la polución o contaminación no existe. Este estilo es el más sostenible, ya que su propósito no es la cantidad de ropa que se consiga, sino la tranquilidad, bienestar y comodidad que transmite el ambiente naural.

«En el cottagecore la vida rural prima ante la industrialización»

Los colores de esta estética tienden a ser pasteles o descoloridos, como el rosa palo, marrón, blanco, amarillo claro y azul cielo. Las telas no son sintéticas, sino de fibra natural. La mayoría son prendas de algodón, hilo de punto o lino. Muchos de los conjuntos también son vintage o comprados de segunda mano debido a su aprecio por el medioambiente.

Sin embargo, a medida que la estética se volvía popular consiguió llegar a la moda rápida, así que mucha de la ropa que se encuentra en páginas web contiene este estilo, sobre todo respecto a las blusas. El pelo largo se lleva suelto a merced del viento y el maquillaje es suave.

A pesar de que el cottagecore no es un movimiento político, gran parte de su conversación sí lo es. Las personas que siguen la estética suelen estar en contra del capitalismo y los roles comunes de género. Sugieren que este aesthetic presenta un mundo ideal para jóvenes que expresen su personalidad en la libertad de un espacio rural.

El grunge se trata de un estilo oscuro y rebelde. La mayoría de sus imágenes se editan como si estuvieran sucias y mugrientas. Muestra una desesperanza y desencanto con la sociedad moderna. Transmiten una depresión social utilizando tonos color tierra o negros. Su origen se remonta en 1990. Era un movimiento joven contracultural, anticonsumista y musical que definió a las generaciones de la época. La popularidad de esta moda fue gracias a bandas como Nirvana, Pearl Jam y Alice in Chains.

Comenzó a acabarse a partir de 1994 tras lo que sucedió con Kurt Cobain, pero gracias a la red social Tumblr volvió a estar en auge en 2014 entre adolescentes. Según Mina Le, influencer y modelo, «se trata de una subcultura llamada soft grunge (mismo estilo pero un poco más suave) que incluye hablar de forma abierta sobre diversos trastornos mentales».

Esta estética contiene ideas del Romanticismo debido a la libertad de expresión y pensamientos oscuros o revolucionarios. En la década de los 90 la ropa grunge se solía comprar en tiendas de segunda mano. Querían rechazar la moda moderna, pero la realidad es que muchas veces no tenían el dinero suficiente para el consumo.

«La rebeldía oscura representa el grunge»

Respecto a los conjuntos, las camisas, pantalones o faldas llevan estampados de cuadros o rayas blancas y negras. Sus colores son muy oscuros y profundos, y en el calzado predominan las botas del mismo tono. Para los accesorios escogen collares o cadenas, además de candados o muñequeras.

En cuanto al maquillaje, la sombra de ojos tiende a ser negra y larga. Los labios pueden pintarse del mismo color o cubrirse con una mascarilla que combine con el resto del look. El pelo se deja largo aunque, a veces, también queda bien corto (depende de la persona y su forma de ser).

Old money es una estética basada en el estilo clásico y de bienestar económico. El término se refiere a aquellas personas que han hederado el dinero y que no han trabajado demasiado. Es sofisticado y elegante. Se originó en países donde no había aristocracia, sino una clase social elitista que tenía un estatus similar. En 1930 las familias old money se remontaban hasta la Revolución Americana, quienes generaron riquezas en la época de la Guerra Civil estadounidense y durante la Edad Dorada.

Se caracteriza por todo aquello que hace de la vida un lujo o capricho. Las grandes copas con los mejores vinos, bolsos de calidad y suéteres de punto. Este conjunto viene de las antiguas universidades en las que solo las personas ricas podían permitirse acceder. No suelen contar sus vivencias de una manera pública ya que prefieren la privacidad.

En muchas películas aparece este aesthetic. En TikTok se viralizó el concepto y la plataforma se llenó de pequeños vídeos en los que la gente iba al gimnasio, a jugar al golf, al tenis o al pádel. La mayoría lleva tonalidades blancas y puras, además de pantalones con el corte debajo de las rodillas.

«Familias adineradas y elitismo: old money»

Los valores que pretende transmitir son familiares, educativos y tradicionales. Aparece en mansiones con grandes jardines y piscinas. Para la decoración del hogar son importantes las figuras de porcelana, muebles anticuados, pinturas al óleo, flores, chimeneas, mesas de cristal y candelabros clásicos.

Algunos libros en los que se representa la estética son Early Autumn de Louis Bromfield, Freckles de Gene Stratton-Porter, A Separate Peace por John Knowles y The Forsyte Saga de John Galsworthy.

La moda sostenible es un concepto que está a favor del medioambiente y contribuye a la vida de los ecosistemas terrestres y marítimos. Está en contra de la contaminación y el maltrato animal. El aesthetic es una herramienta que ayuda a encontrar una identidad propia y a paralizar el consumo excesivo. Las personas que saben lo que quieren no pretenden comprar más allá de lo que les gusta ni se ciñen a las tendencias que cambian cada mes.

Nereida Fuentes, encargada del departamento de Moda en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Fernando Estévez, comenta que «Hoy en día se adquieren productos para adaptarse a las nuevas tendencias que van cambiando en pocas semanas. Esto presenta una gran diferencia con la industria de la moda de antes del fast fashion, en la que las compras de ropa se realizaban unas pocas veces al año».

Algunas marcas sostenibles son Ecoalf, Volett y Rocamood. El problema con aquellas que son lo contrario es que «son capaces de mantener precios de venta bajos gracias a sus simplificadas cadenas de suministro y la integración global con la que cuentan que les hace poder reducir costes por las economías de escala».

«La identidad propia favorece la sostenibilidad»

Concienciar a las personas consumidoras es crucial para la moda ética. Deben atrapar y convencer a la clientela de que el producto es de más calidad y duradero. Según Nereida Fuentes las empresas textiles tienen que tenerlo muy en cuenta en el futuro sostenible. Las redes sociales pueden contribuir a este cambio.

El aesthetic es estático. Una vez que alguien encuentra su estilo tratará de mantenerlo y cuidarlo, sin dejarse llevar por las nuevas tendencias. Los nuevos modelos de moda comienzan cuando la personalidad y criticismo predominan ante el vacío mental consumidor.

¿Cómo empezó su amor por el arte? «Fue una sorpresa. Yo iba a estudiar Periodismo, pero en mi época la carrera no estaba en La Laguna. Busqué alternativas y el arte me llamaba la atención. Yo no soy artista, me encargo de la parte teórica del arte. Dentro de esta disciplina se encuentra la crítica. A partir de ahí me empecé a animar y con ayuda de especialistas gané autonomía. Sin embargo, a día de hoy me dedico al comisariado de exposiciones y me considero un enamorado del arte».

¿Qué es lo más importante cuándo comienza en este mundo? «Cada vez que hablo con artistas jóvenes intento convencerles de la dificultad del proceso. Sé que no es fácil, lo ves todo negro. Lo más importante es que creas en ti, tengas fortaleza y valentía. Todo tiene un límite, pero mientras se pueda hay que intentarlo. Aunque sea duro, se puede conseguir».

«Lo más importante es la sinceridad con el trabajo que haces»

¿De qué manera el primer Campus de Escultura benefició al alumnado? «Hay una parte que es de estudio directo en los centros educativos, pero para poder escapar de ahí y continuar con la formación, actividades como la que se desarrolló en Lanzarote me parecen ideales. Ojalá yo hubiese tenido la oportunidad que ha tenido el alumnado que participó en el Campus».

¿Qué motivó su participación en el Campus? «Ayudar. Colaboro con la Fundación Curbelo Santana desde hace años. Mi intención es que la primera edición de esta actividad tenga continuidad».

¿Qué debe tener una persona que se dedique a la creación artística? «La experiencia me ha enseñado que lo más valioso es la sinceridad individual y con tu trabajo. La diferencia reside en la emotividad que crea la obra. Cuando entras a ver arte y te emocionas, como artista has logrado todo. No es fácil, pero hay que intentar llegar a ese punto».

¿Cómo surge el colectivo Partecán del que es miembro fundador? «Nos dimos cuenta de que las personas que se dedicaban a la escultura estaban un poco desatendidas. La escultura es más difícil de vender que la pintura. Decidimos crear, entonces, un colectivo para, entre otras acciones, buscar lugares de exposición». La prueba fue editada por Ghostwriter Bachelorarbeit.

¿Cómo empezó su amor por el arte? «Empezó desde pequeño. Tenía esa curiosidad de buscar más allá de lo normal. Se convirtió en lo que hoy en día es mi trabajo. A lo largo de estos treinta años he entrado y salido del mundo del arte, hasta que hace cinco llegó para quedarse. La pintura es la que me ha seguido toda la vida mientras yo daba tumbos. Descubrí entonces que es mi oficio». 

¿Desde cuándo lleva en este mundo? «Siempre he estado en él. Me he rodeado de artistas, hasta de escritores y escritoras. Cuando toco temas relacionados al arte siento que quiero hacerlo todos los días. Crear, pintar… Para mí no es un trabajo, no hay horarios. Estás constantemente jugando, sobre todo yo que toco arenas. Es como ir a la playa y, en vez de tener un lienzo en blanco, tienes todo el lugar para crear y dejar correr la imaginación».

«Ser artista es morir y volver a nacer en otro cuerpo»

¿Cuál es el tema principal de su obra? «Las arenas volcánicas. He investigado con otros materiales como el serrín, polvo de hierro… Pero me siento más identificado con la arena. Es una conexión. En Tenerife suelo salir a caminar o correr por sitios volcánicos. Eso me viene desde que soy pequeño. Lo que me queda de la niñez son esos grandes paseos con mis amistades por esos tipos de paisajes tan duros y de un color negro carbón».

¿Por qué empezó a dedicarse al arte? «Debido al cansancio de una rutina de trabajo que tenía y no me llenaba. Soy una persona que tiene que hacer cosas que me permitan estar al 100 %. Solía estar desmotivado y lo dejé todo. Pensaba que si me quería meter a este oficio tenía que dejarlo todo. Es como si murieras y volvieras a nacer en otro cuerpo. Es algo nuevo».

¿Dónde le gustaría exponer? «Mi sueño siempre ha sido Lanzarote, ya que mi mayor influencia es esa Isla. Me gustaría realizar mi primera exposición individual allí. El 4 de agosto tuve una colectiva junto a artistas que se dedican a lo urbano. Todo lo que me permita enseñar mi obra es motivo de estar agradecido. Puedo mostrarla en redes sociales, pero no es igual a apreciarla en persona».

«Una maravilla de la vida»

¿Cómo definiría el arte? «Es una maravilla de la vida. El arte puede cambiar vidas, formas de pensar… Muchísimas cosas. No es simplemente hacer una escultura o pintar. Es un estilo de vida. Creo que la vida es arte».

¿Qué consejo daría a las personas que quieren dedicarse a este oficio? «La vida es rápida. Hoy tienes treinta y mañana cincuenta años. Hay que aprovecharla. Que hagan lo que tienen dentro, sin vergüenza o rechazo. Si te caes, te vas a levantar. En Canarias tenemos artistas con muchísimo talento, debería salir más gente de las Islas. El arte forma parte de un movimiento». 

Néstor Curbelo es el creador de la marca de diseño Hugu, en Lanzarote. El artista realizó una serie de camisetas para el alumnado de Bellas Artes y Periodismo, y docentes del primer Campus de Escultura, Arte y Naturaleza, una residencia creativa organizada la semana pasada por la Universidad de La Laguna y la Fundación Curbelo Santana en la sede de esta intitución en el municipio de San Bartolome. Curbelo impartió un taller para explicar el proceso y los pasos a seguir para elaborar las prendas en el pulpo serigráfico, desde la tinta que utiliza hasta cómo envía los productos desde su tienda online.

¿Qué han trabajado en el Campus? «El proyecto ha sido muy experimental. Queríamos buscar el material aquí, en la Isla, sin saber qué cantidades íbamos a encontrar. Ha sido una experiencia diferente. Hemos trabajado todos los días. Para llegar al resultado final organizamos una mesa redonda con el alumnado. Después, hicimos rutas de expedición para ver con qué podríamos trabajar. Y al final, hoy sábado, presentamos una instalación cuya composición está basada en las gerias de aquí, características del paisaje del territorio».

¿Qué pretenden transmitir con la obra? «Hemos hecho doce piezas iguales con formas que servirán como zona de refugio para las personas y no las plantas. En cada uno de esos espacios íntimos hay una silla en la que cada persona escoge un refugio y personaliza cómo se siente dentro de él».

«En tercero de carrera conocí a mi mentor, Juan Carlos Albaladejo»

¿Cómo empezó su amor por el arte? «Siempre he estado vinculada. Empecé Arquitectura, pero no la acabé. Me metí en Bellas Artes. Desde el primer año veía que se me daba bien la concepción volumétrica. A partir de ahí, continué por esa línea y tuve la suerte de que en tercero de carrera conocí a mi mentor, Juan Carlos Albaladejo, catedrático del área de Escultura. Me quedé implicada en los procesos de fundición artística. Empecé a trabajar para gente de fuera y me he ido desarrollando en el proceso volumétrico. En ese paralelismo entré en la investigación de nuevos materiales y me he visto inmersa en diferentes ámbitos».

¿Cómo definiría su proceso escultórico? «Es una evolución de madurez personal. No solo es la técnica. Eso se aprende. El proceso va desde el momento en el que te sientas a pensar lo que quieres crear, contar, investigar hasta llevarlo a la realidad. El camino desde ese inicio hasta que se ve la obra expuesta es un recorrido conceptual. Es dar peldaños para que haya coherencia entre lo que quieres contar y la pieza que está expuesta. Se encuentra dentro de lo intelectual y técnico de la obra».

¿Cuál ha sido la experiencia más gratificante que ha vivido? «La primera vez que participé en un simposio. Me sentí yo misma. Había recién salido de la universidad y participaba en todo. Fue un mundo que no conocía, no sabía que existía y, de repente, estaba mi nombre en los carteles. Fue un antes y un después. Me volqué en el entorno, material, nuevas personas, procedimientos… Ese fue el punto inicial de esta nueva etapa».

Lo íntimo y el paisaje

¿De qué proyecto se siente más orgullosa? «Fue la segunda que hice el año pasado en Puerto del Rosario, en Fuerteventura. Me dio pie a encontrar una línea creativa que es la que estoy explotando ahora. Se llama Lo íntimo y el paisaje y fue la que desencadenó las otras tres obras que he hecho, una de ellas en Italia y otra, también en Fuerteventura».

¿Qué consejo daría a quienes se quieren dedicar a la creación artística? «Parece tópico, pero les diría que no se rindan. No es un consejo de esperanza, ni mucho menos. Si eliges un estilo hay que ir poco a poco evolucionando, trabajando, madurando, leyendo, probando… No hay que tener miedo o inseguridades. Hay que luchar contra ello. Tienes que pasar por diferentes ciclos que son un proceso educacional propio. No te bajes nunca del barco».

El alumnado participante en el primer Campus de Escultura de Lanzarote, que se celebra estos días en la sede de la Fundación Curbelo Santana junto a la Universidad de La Laguna, participó ayer miércoles, 27 de julio, en una salida de campo para recoger los materiales necesarios para realizar el proyecto expositivo final. El equipo, dirigido por el escultor Paco Curbelo, recolectó piteras, una planta invasora en Canarias. Pese al calor y viento que acompañó a la jornada, el estudiantado consiguió más de cincuenta troncos que trasladaron en una furgoneta hasta el lugar de trabajo.

La residencia creativa para estudiantes de Bellas Artes y Periodismo de la Universidad de La Laguna realizó ayer martes, 26 de julio, una visita guiada por Lanzarote. En primer lugar, alumnado y docentes visitaron el Museo Internacional de Arte Contemporáneo (MIAC), sito en el Castillo de San José de Arrecife. Cuenta con obra de Óscar Domínguez, Manolo Millares o Juan Ismael. Con posterioridad, la jornada continuó en los Jameos del Agua, una de las intervenciones más reconocidas de César Manrique.

El Tenerife Espacio de las Artes (TEA) acoge durante el verano la exposición Velar la forma, una recopilación de cuarenta años de trabajo del artista tinerfeño José Herrera, formado en la Facultad de Bellas Artes. La muestra, comisariada por Gilberto González, incluye obras expuestas en Museos como Patio Herreriano de Valladolid y Reina Sofía. Estará abierta al público de martes a viernes, de 12.00 a 20.00 horas, y sábados y domingos de 10.00 a 20.00 horas. La entrada es gratuita.

Pretende que quienes la visiten vivan una experiencia de suspensión temporal y espacial, abstrayéndose del ruido ambiental y mental. Las creaciones son de distintas procedencias y periodos, desde 1982 hasta 2022, y se vinculan a la idea del silencio y el equilibrio de las formas. Para el artista, lo ausente es igual de importante que lo presente.

Formas geométricas y símbolos decoran sus lienzos y tablas. El Museo de Historia y Antropología de Tenerife presenta los cuadros realizados por el pintor sudafricano Keya Tama en una exposición por el Día de África. Es la segunda parte de su Solo Show en Europa con el Festival Boreal. La mayor parte de sus trabajos tratan su visión de algunos animales salvajes tras haber investigado acerca de ellos. También hay piezas audiovisuales que enseñan su proceso de dibujo sobre papel. La muestra estará abierta al público hasta el 26 de junio, de lunes a sábado, de 09.00 a 19.00 horas, y domingos y festivos, de 10.00 a 17.00 horas.

Cada sala tiene paneles explicativos de cada objeto que se presenta, desde el trayecto en patera hasta el cayuco o las maletas que acompañan a las personas que migran. Además, cuenta con espacios interactivos para que la gente que acuda a la exposición pueda participar de forma activa en ella.

Las alumnas explican y eliminan prejuicios del concepto migrante, que puede ser alguien que viaja por estudio o trabajo y «tiene el privilegio de ser legal» o quienes se ven en la obligación de desplazarse debido a desastres climáticos, crisis sociales o guerras. Comentan que «la migración es un acto de valentía y un hecho traumático».

Las personas que visiten Emociones a la deriva pueden dejar sus propias interpretaciones u opiniones alrededor del lugar en varios pósits repartidos por la sala. También hay folios para crear aviones de papel con mensajes que representen las cualidades o adversidades que pueden tener las personas migrantes.

Otro de los apartados de la Exposición es una crítica a los medios de comunicación y sus mitos sobre el flujo migratorio. Se trata de una pared llena de titulares con un mapamundi dibujado encima. Su propósito es que quienes vean estas noticias sepan discernir lo que verdaderamente acontece. «Las muertes se vuelven tan solo una cifra que se va sumando y borran las historias de vida que hay detrás», explican las alumnas.

En el centro del espacio se encuentra un gran árbol al que llaman Árbol de la vida, una metáfora sobre la riqueza de la diversidad humana, aquellas aportaciones que ofrecen las personas migrantes sobre la cultura y sus vivencias. Pretende mostrar una sociedad sólida, flexible y resistente. Las raíces representan la identidad propia y cómo crecer en otro lugar.

Las personas que trabajan en esta industria lo hacen en condiciones deplorables que se comparan a las fábricas antiguas en las que se robaban ideas y diseños. El proceso de fabricación de una pieza textil conlleva mucho tiempo y dinero. Es importante garantizar a la clientela que su producto es de calidad y necesario en sus armarios, cuidando hasta el más mínimo detalle.

La moda tradicional o slow fashion está compuesta por una fibra natural, mientras que la rápida se realiza con fibras sintéticas que desprenden microfibras, una de las principales causas de la contaminación de los océanos. Cuando la prenda se deseche tardará desde una semana hasta quinientos años en desaparecer por completo. Las marcas fast fashion se ciñen a la obsolencia programada, de esta forma ponen una fecha corta de caducidad a sus productos para que duren menos y que así la gente compre más.

Shein es una famosa tienda de ropa online que se ha mantenido en auge estos últimos años. Realiza réplicas de profesionales del diseño o prendas originales sin tanta calidad para venderlas a un precio más barato y entregarlas a domicilio en el plazo de una o dos semanas, incluso menos. Muchas personas que no tienen tanto nivel adquisitivo adquieren sus productos en esta plataforma, algo que es completamente normal y comprensible.

Sin embargo, la tasa de rotación de la moda rápida genera un consumo excesivo, y el consumo excesivo genera un impacto ambiental negativo. Además, las personas que trabajan para que compremos a un precio más barato son explotadas, con una media de 75 horas semanales y un solo día libre al mes. Según una investigación de Public Eye, la confección de un vestido simple da unos 42 céntimos a quien lo trabaja.

«En España tan solo se recicla un 12,16 % de la ropa que se fabrica»

Aplicaciones como TikTok o Instagram han logrado que los ciclos de tendencia sean cada vez más cortos, de tal forma que cuando alguien va a comprar un pantalón con corte de campana, este ya ha pasado de moda por otro más ajustado debido a la influencer que decidió ponérselo ayer por la noche.

Los seres humanos somos intrínsecamente inseguros por naturaleza. Vivimos en una sociedad en la que concedemos mayor importancia a la vida de los demás antes que a la propia, y de esto son culpables en gran medida las redes sociales. Tenemos la necesidad de destacar, de demostrar que somos superiores a otra persona para sentirnos mejor con nuestra conciencia.

Nos relacionamos en un mundo construido con una lupa en el que las imperfecciones son debilidades y las perfecciones fortalezas. La importancia y valía de la gente se mide en su consistencia en las tendencias. Si tienes el último iPhone, ¡eres genial! Si conseguiste el vestido que llevó Kylie Jenner en el evento de la semana pasada, ¡nadie puede contra ti! Pero si tu ropa es todo lo contrario, caerás mal. A las personas les cuesta diferenciar que la opinión pública no es válida para sujetos anónimos de la multitud.

La moda ética comenzó en 1998. Es un movimiento que propone elegir prendas elaboradas sin explotación ni contaminación del medioambiente. Si las piezas cuestan poco es que alguien cobró poco por hacerlas. Muchas diseñadoras como Katharine Hamnett o Stella McCartney se han comprometido a crear moda éticamente para frenar el desperdicio.

La clientela puede colaborar en la moda positiva adquiriendo ropa reciclada o reciclable, de fabricación local y comprando menos cantidad con mayor calidad. Uno de los materiales que se utilizan en estas prendas son el algodón ecológico o la lana. Muchos mensajes son lanzados en desfiles para concienciar a la gente del impacto medioambiental.

Stella McCartney es vegetariana y sigue un proceso textil respetuoso también con los animales. Para la temporada otoño/invierno de 2018 utilizó piel y cuero de imitación para reivindicar el uso de estos materiales en la industria.

«Todos los años se desperdician 92 millones de toneladas de textiles»

A pesar de que existen marcas sostenibles que no son tan caras, no es culpa de la gente no poder permitirse comprar artículos de slow fashion. Las personas de bajos ingresos no son las que mantienen a flote la moda rápida. Son las empresas que deciden continuar con este modelo las responsables de la contaminación y las condiciones precarias de trabajo.

Existen otras opciones que no implican gastar dinero en comprar más ropa, pero conllevan más tiempo. Un ejemplo puede ser la reutilización de prendas antiguas o la creación de algunas nuevas a partir de las viejas. Con unas tijeras, aguja e hilo, se puede confeccionar una camisa larga para que pase a ser una corta; o transformar unos pantalones vaqueros cortándolos con el patrón adecuado. Hay infinitos vídeos en plataformas como YouTube que reinventan la moda.

El aesthetic es un mundo nuevo en la industria en el que la estética prevalece ante las tendencias. Se basa en tomar un tópico para hacer de él una personalidad. El cottagecore es un tipo de estética que se centra en conectar con la naturaleza, llevar trajes o sombreros. El dark academia es más ambientado a las bibliotecas, tonalidades marrones, gafas y pantalones. Los aesthetics ayudan a que el ciclo de tendencias disminuya, ya que no pueden verdernos algo cuando nuestro estilo está definido.

Según Marshall McLuhan «hoy nada está pasado de moda porque todo está de moda. Cualquier prenda de cualquier época está a disposición de todo el mundo». Y citando a un referente en la industria como Christian Dior: «Sencillez, buen gusto y pulcritud son los tres fundamentos del buen vestir».

La conclusión más lógica y sostenible que se puede sacar de estas referencias es que lo más ecológico que podemos hacer para destacar es encontrar nuestra propia identidad, de esta manera nadie podrá vendernos una nueva cada mes.

¿Qué es para ti la actuación? «Todo. Es lo que me da vida. Desde que entro al teatro, conecto con él, dejo las cosas en el camerino, caliento la voz y el cuerpo, me maquillo… Hace que me sienta bien. Todo el sacrificio, esfuerzo, dedicación y pasión merece la pena. Cuando te subes al escenario, el público agradece lo que acabas de hacer y tú les agradeces el aprecio. ¡Es muy bonito!».

¿Qué papel tiene el teatro musical en tu vida? «Es muy importante. Lo estudio desde hace dos años, pero he participado en distintos musicales con anterioridad y han sido muy motivadores. No solo mezcla las tres disciplinas, sino que te hace estar activo todo el día. Es un reto. No te puedes dejar ir porque tu cuerpo y tu voz te necesitan. Es lo que me hace feliz y me levanta cada mañana. Pongo un pie en el suelo y ya estoy escuchando teatro musical. Siempre estoy descubriendo este mundo. Me motiva a hacerlo».

«Mi madre me ayudó muchísimo a lograr los sueños que tenía»

¿Qué te hizo sentir que debías dedicarte a las artes escénicas? «Lo feliz que me hacía cantar y que la gente agradeciese el sentimiento con el que lo hacías. En mi familia no hay nadie que se dedique al mundo de las artes. Es algo nuevo que apoyan y a lo que deciden, por ejemplo, enviarme un mensaje para ver cómo me va. ¡Es muy guay! Sobre todo la vitalidad que me da las artes escénicas y la pasión con la que me entrego hacia ello. Algo dentro de mí hace que lo dé todo en el escenario».

¿Cuáles fueron tus inicios en el mundo de la actuación? «Mi madre siempre dice que fue con un pequeño teclado en el que sonaba el Himno a la Alegría. Yo me sabía el Padrenuestro y con cinco años ponía el piano en playback, sonaba la canción, hacía como que tocaba y me inventaba la melodía. Empecé en coros de la iglesia del pueblo, después comencé con las rondallas, grupos folclóricos, pasé a hacer musicales en el Auditorio de Tenerife Adán Martín, estudié Artes Escénicas en el IES La Laboral de La Laguna y ahora en la RESAD. Y de ahí, a la Gran Vía de Madrid».

¿Te habría gustado dedicarte a algo distinto? «No. Desde pequeño siempre quise ser artista. Mi madre me ayudó muchísimo a lograr los sueños que tenía. Llegué a pensar en dedicarme a otra cosa porque hay que tener varias opciones, sin embargo, soy una persona con las ideas claras y sabía lo que quería ser de mayor. Lo mío es el arte».

¿Cómo ha sido tu experiencia en Madrid hasta ahora? «Mi experiencia ha sido, es y seguirá siendo increíble. Cada año descubro gente nueva que me regala momentos estupendos. He podido salir en televisión, he tenido pequeños papeles en nuevos proyectos, actué en la Gran Vía e hice giras por la Península. Entrar en la RESAD en uno de los primeros puestos entre más de cien personas fue una maravilla. Es una experiencia que suma y que nunca me deja de sorprender. Si tuviera que definir a Madrid en una palabra sería ‘imparable’, porque no paro desde que me levanto».

«Desde pequeño siempre quise ser artista»

Hasta la fecha, ¿cuántos proyectos has realizado? «He realizado muchísimos proyectos a gran y menor escala, pero siempre me aportan algo. El Musical.IES o el musical Evita dirigido por Jaime Azpilicueta. He sido figurante en series como Élite de Netflix, rodé una parte de otra llamada Meet Cute que saldrá en la misma plataforma… Estoy en una compañía de teatro musical que tiene tributos a películas en la que hice Aladdín y Frozen. Otros proyectos son trabajos de clase que me tomo a pecho porque quiero que salgan perfectos, con el mínimo fallo. Que la persona que los vea diga: esto es arte».

¿Cuáles son tus planes de futuro? «Espero acabar la carrera con un TFG del que me sienta muy orgulloso. Me gustaría plasmar mi vida en ese proyecto. También quiero hacer la carrera de Interpretación ante la Cámara. Dentro de unos años me veo trabajando de lo mío, ya que en la actualidad lo estudio y lo trabajo al mismo tiempo. Intentando mejorar y formándome como lo hago ahora, con proyectos futuros muy amplios, tanto personales como artísticos y vitales».

¿Qué le dirías al Luismi del pasado? «Le diría que siga igual de soñador. Que siga poniéndose un karaoke en la habitación, cantando a todo pulmón con la puerta cerrada y que piense que está delante de un gran público que le aplaudirá al final. Que va a ser duro que le digan cosas, pero eso le hará más fuerte y cuando caiga renacerá como el ave fénix».

¿Qué consejo darías a las personas que se quieran dedicar a lo mismo? «Mi consejo es que si las artes son su sueño, que lo arriesguen todo. Que se lancen, no lo duden. Este mundo es muy abierto y diverso, y es una maravilla formar parte de él. Siempre hay que ser agradecido con cada consejo que te den porque es un aprendizaje más. No hay que mirar atrás. No pasa nada si algo no sale, ya saldrá más adelante. La vida sigue, y aún más la del arte, porque el espectáculo debe continuar».

«Trabajar con la orquesta fue el proyecto más profesional que he hecho hasta ahora»

Después de descubrir que podía dedicarse profesionalmente a la música, Carlos Rodríguez comenzó a verla como una aspiración en la vida. Es estudiante del Conservatorio Profesional de Música de Santa Cruz de Tenerife y segundo violín de la Joven Orquesta de Cámara de Canarias, con quien debutó el 7 de mayo. Terminó Bachillerato de Artes Escénicas en el IES La Laboral de La Laguna, donde encontró nuevas amistades que comprendían su pasión por la música clásica.

Comenzó a amar este arte cuando tenía nueve años después de ver Titanic: «Había visto la película y en la escena final, mientras se hunde el barco, había un cuarteto que estaba tocando una pieza. Eso me llegó al alma porque fue algo triste pero solemne. Se despedían y asumían que iban a morir. El violín, ¡qué bonito sonaba!». El artista se dio cuenta en ese instante de que existía un nuevo mundo entre cuerdas.

En su colegio de Primaria y Secundaria, realizaban un proyecto en el que mezclaban el teatro, la danza y la música. Ese fue su primer contacto con el violín. Sintió que cerraba un ciclo, porque las primeras canciones que tocó para el musical con este instrumento eran las de la película que le había conquistado.

«Es un arte que encontré en mi vida y seguiré con él: lo odiaré y lo amaré»

El violinista comenta que la música clásica no era lo único que le apasionaba, sino muchos estilos más. Tocaba folclore y habaneras en el grupo de su abuela con la guitarra, y también le atraía componer o ensayar con el piano. «En mi tiempo libre practicaba canciones que me gustaban, como Piratas del Caribe, algunas piezas de anime, Avatar… Disfrutaba de ellas de una forma muy profunda, porque podía rozar las emociones con los dedos», explica el artista. 

Según Carlos Rodríguez, al principio lo veía como un pasatiempo, ya que no tenía muy claro si podía dedicarse a ello de manera profesional, pero «a medida que iba avanzando, cada vez tenía menos dudas». Poco a poco, se fue convirtiendo en un objetivo más claro, así que decidió estudiar Artes Escénicas.

En el instituto, descubrió a más personas que compartían su gusto por la música clásica, pero no juzgaba a aquellas que no la escuchaban de la misma forma. Tiene opiniones muy concretas respecto al elitismo en su ámbito: «Ni la música clásica ni el reguetón son lo mejor del mundo. Toda la música es igual y se puede disfrutar de la misma manera». 

Cuando terminó Bachillerato, tuvo que escoger entre hacer la EBAU o las pruebas de acceso al Conservatorio Profesional de Música. Fue una decisión difícil, cargada de presión por parte de muchas personas. Finalmente, decidió hacer caso a su instinto y presentarse a las pruebas, en las que terminó sacando las mejores calificaciones que podía obtener.

«Cualquier persona tiene el potencial de ser mejor y depende de ella desarrollarlo o no»

Para él la música lo es todo. «Es por lo que existo en este planeta, y he encontrado un camino en la música. Es que está en todas partes, es omnipresente», comenta el violinista. Opina que este arte es muy poderoso, ya que tiene la capacidad de crear estados de ánimo: «Si estás triste te pones melodías tristes para ensalzar ese sentimiento. Te sumerges en tu propia burbuja. Y si estás contento es más de lo mismo. Tiene el poder de cambiarte».

Su compañera de vida, como él la denomina, logra crear ambientes para que la gente baile al mismo compás con ella, ya que «te hace sentir y te lleva a sitios». Al final, el estudiante cree que la música puede llegar a manipular si se lo propone: «Es un arma preciosa de doble filo». Respecto a su carrera profesional, espera realizar más conciertos con la Joven Orquesta de Cámara de Canarias porque se siente como en familia.

La serie cuenta con imágenes panorámicas de arquitecturas solares, paisajes desiertos y territorios secos. De esta forma, consigue crear una sensación de colosalismo y monumentalidad. Además, Sergio Acosta establece una metáfora del silencio, ya que compara las fotografías actuales con las antiguas de los mismos territorios llevando agua.

El sustento principal de la población canaria era la actividad agrícola hasta pasada la primera mitad del siglo XX. De manera progresiva, tras la industrialización, la economía se fue transformando hasta depender del sector terciario, el turismo. El paisaje del sur de Tenerife pasó de ser mayoritariamente un terreno de cultivo a la edificación de hoteles y más servicios.

Sobre el autor, Sergio Acosta es un artista visual y fotógrafo. Su trabajo forma parte de las colecciones del TEA Tenerife Espacio de las Artes, Centro de Fotografía Isla de Tenerife, Fundación CajaCanarias y de la Universidad de La Laguna, además de otras privadas tanto dentro como fuera de Canarias. En la exposición de Candelaria se muestra un vídeo en el que comenta su inspiración para la obra y su posterior producción.

Este tipo de trabajos quieren reflejar el vacío y la soledad que queda tras el abandono del paisaje natural canario debido a la economía turística. Pretende concienciar de los efectos de la urbanización en la sociedad tinerfeña y la sequedad de un recuerdo completamente olvidado y abandonado.

¿Cómo describiría la cirugía? «Es un arte y una profesión. Tiene mucho más de arte, porque la cirugía no se puede aprender en un día, sino en una vida. De esta forma, cuando la vida pasa, igual a los cincuenta años puedes aprender una cosa nueva. Siempre se va renovando». 

¿Por qué quiso dedicarse a esta profesión? «Cuando era pequeño, cogía lagartos junto a mi hermano para abrirlos y ver cómo eran por dentro. De alguna manera, ahí surgió una afición a cortar y ver los órganos. Quitábamos el estómago, lo cerrábamos y seguían viviendo. Mientras hacía Medicina estudié Anatomía Patológica, que es saber de lo que se muere la gente, y ahí, comencé a hacer autopsias a los cuerpos».

Usted menciona en uno de sus libros la medicina telemática. ¿Cuáles son sus opiniones al respecto tras la situación de aislamiento? «Opiniones muy malas. La medicina telemática no es medicina. Lo que hay que hacer con la persona afectada es tocarla. Debemos tocarla. Cuando se opera a alguien, hay que ir a verle a su cama y ponerle la mano encima. La mano da el sudor, el calor, la afectividad. Cuando una mujer pare, si hay alguien que recoge al bebé, el ambiente se vuelve frío; pero si la persona encargada le pasa la mano por la frente a la mujer y le dice que todo irá bien, esa mujer parirá mucho mejor. La medicina sin contacto no existe». 

«Si hay que inventar a mil profesionales más, pues mil más. Pero no mil televisores» 

¿Cree que existe entonces un miedo a la persona que padece la enfermedad? «Sí, se le tiene miedo. Incluso la propia familia no quiere tocarle por miedo a la propia enfermedad o a que se le pegue, y las amistades igual. Te visitan, pero no quieren mucho contacto. Sin embargo, quien cura sí tiene que estar. No solo porque la persona afectada necesita moralmente que le toquen, sino que al acariciarle deduces la temperatura, si su mente funciona bien o no, si se está muriendo o no. Si tocas al paciente, sabrás si vive». 

En ese caso, ¿se puede mejorar la profesión en la actualidad? «Quienes llevamos bastantes años en el oficio lo sentimos así: la profesión no ha mejorado. Existe una cosa llamada la paramedicina. En mi opinión, la Seguridad Social no es medicina, sino paramedicina. Te sientas delante de una persona, dices que tienes fiebre, te receta paracetamol y te vas. Eso no es medicina. Medicina es que se levante, que hable contigo, identificar tu problema, saber si tomaste cuatro cervezas ayer… Hay que ver cómo estás en un tiempo que no puede ser limitado». 

Entonces, ¿una persona que se dedica a la medicina debe contactar con la persona afectada? «Tiene que hablar contigo para contactar con la persona que eres, no solo con tu enfermedad. Para conocer la enfermedad, debe existir la comunicación, porque eres tú quien explica lo que le está sucediendo».

Según sus artículos, ¿qué conceptos cree usted que son los más discutidos en la profesión? «Un ejemplo de ellos es la eutanasia o el aborto. El aborto debe ser libre, porque somos personas libres. Respecto a la eutanasia, pienso que la gente tiene derecho a vivir, pero también a morir. El equipo médico tiene que asimilar que la gente tiene derecho a morir. Está por costumbre decir que ‘un médico no debe ir a los entierros’, porque sería una situación cínica. No creo que eso sea así. Quienes ejercen la medicina debe ir a los entierros, porque ese muerto es de ella. Participa y debe participar de alguna forma en su muerte para que sea digna».

¿Qué mensaje le gustaría transmitir a las personas que se están formando? «Luchar contra las fake news, siempre. En medicina más que nunca. Además, también deben contar con el valor de la sinceridad, darle importancia al contacto con la gente. Hay que ampliar la medicina. Hay dos cosas fundamentales que han desaparecido de la medicina: la humanidad y la universidad». 

La obra de teatro se representó al aire libre. Empezó a las 12.00 horas y terminó sobre las dos de la tarde. Se desarrolló en la Calle Grande de Adeje, que se decoró con plantas, puentes, mesas y animales de todo tipo para lograr darle más ambiente a las escenas representadas.

Para lograr la escenografía perfecta el grupo encargado tardó más de una semana en construirla. Lo último que se colocó fue todo lo relacionado con lo natural, como la tierra o las plantas. En la obra participaron más de trescientas personas que forman parte del vecindario, algunas por diversión y otras por pasión.

Este año, en la primera parte de la pieza audiovisual se presentaron a los protagonistas (Jesús y sus discípulos) y se representaron escenas como la última cena, la traición de Judas y la negación de Pedro, entre otras, hasta llegar a la segunda parte (ya al aire libre) que se abordó a Jesucristo cargando la cruz, el encuentro con su madre y la crucifixión.

La película se prolongó durante una hora y se rodó desde enero en distintas localizaciones de Adeje, como la Playa de La Enramada o Aqualand.

La película está subida al canal de YouTube del Ayuntamiento de Adeje.

Las pintoras hacen uso del arte contemporáneo, ya que como explica Alba González, «entre las sobras secas de acrílico de la paleta, al descubierto en latas de espray abiertas en canal y manchando la piel de quien habita el estudio, es tarea fácil hallar pintura, pero un salto de fe ir al encuentro de esta». Desde banderas hasta fotografías analógicas, la exhibición abarca un total de 26 obras que se complementan entre sí.

La mayoría intentan mostrar situaciones de la vida cotidiana, la complejidad de la mente de las personas y la familiaridad. Muchos de los colores utilizados son cálidos, exceptuando algunos tonos fríos que se usan para enseñar cierta distancia. En los cuadros se observan, sobre todo, cuerpos en su totalidad con fondos azules.

Esta colección se encuentra en la última planta del edificio y la ocupa completamente. En la entrada se observa el texto que presenta la representación artística para ofrecer contexto a la gente que la visite. En la recepción del centro puede encontrarse más información acerca de próximas exposiciones en mayo. La actual estará abierta al público hasta el próximo 13 de abril y su horario de visita es de lunes a viernes de 10.00 a 13.00 horas por la mañana, y de 18.00 a 21.00 por la tarde.

La Fundación Mapfre Guanarteme presenta Plastikos, una exhibición abierta hasta el 29 de abril con obras de arte hechas por Pilar Boullosa Álvarez. Trata de concienciar acerca del impacto que tienen las personas en el mundo cuando desechan sus plásticos en los océanos, y centra su atención en las consecuencias que sufre Canarias y sus playas. La muestra cuenta con dos series: Mar de plástico, formada por 90 piezas pequeñas, y Plástico de un solo uso, de seis piezas hechas en resina o microplásticos. Se encuentra en el Edificio Cultural Ponce de León, en Las Palmas de Gran Canaria. El horario de visita es de lunes a viernes de 10.00 a 13.00 horas, y por la tarde de 18.00 a 21.00.

A las 20.30 horas las luces del recinto se apagaron para iluminar en el escenario un reloj de cuco de cartón y dos asientos. Tic, tac. Aparecieron, entonces, en escena los protagonistas de la historia: el matrimonio Smith. La señora, interpretada por Pepa Ramon, se encuentra sentada tejiendo en silencio, mientras que el señor, Dominic Hull, lee el periódico concentrado. La conversación comienza con ella hablando sin ser realmente oída, hasta que él decide intervenir cambiando de tema. El sinsentido continúa al igual que las risas del público debido a que el señor Smith encuentra en el periódico que un tal Bobby Watson ha muerto, y mantiene así discrepancias con su mujer acerca de si está vivo, si fueron al funeral o si se lo perdieron.

La demencia está presente en toda la obra, y otros personajes van apareciendo a medida que la historia se desarrolla, como Mary, la criada, a la cual da vida Laura Dalmau; el matrimonio Martin (Lourdes Erroz y Pere M. Mestre) y el Capitán de Bomberos (Xim Vidal). Diversas tramas secundarias y secretos descubiertos tienen lugar sin perder esa esencia cómica que acompaña la pieza. Al finalizar, los actores y actrices despidieron, agradecidos, al público que aplaudía levantado de su asiento.

Un tema muy presente y criticado que no pasó desapercibido para las personas asistentes al evento fue el vacío real de las conversaciones que se dan en la actualidad. Es una parodia a la falta de comunicación cuando dos individuos que dicen quererse después no se escuchan o discuten innecesariamente. Además, otro hecho comentado fue la homogeneidad de las relaciones. Cuando alguien se ata a la rutina y no sale de ella, como indica el guion, no tiene más remedio que repetirla incansablemente una y otra vez al ritmo del reloj: tic, tac.

La Fundación CajaCanarias ha presentado Dalí. Sueños literarios, una exposición que trata la inspiración de diversos grabados del artista en grandes obras de la literatura universal: Divina Comedia y La vida es sueño. Se encuentra en el Espacio Cultural CajaCanarias de Santa Cruz de Tenerife. La muestra cuenta con un espacio interactivo para dejar mensajes o realizar dibujos que expandan su creatividad. Según Rosa Perales, comisaria de la exposición, se trata de difundir la obra ilustrada de Salvador Dalí como un referente de la cultura occidental.

La presentación muestra distintas piezas artísticas relacionadas entre ellas. En el caso de la Divina Comedia, el pintor realiza cien ilustraciones con acuarelas, a la vez que en La vida es sueño hace dieciséis. Se observa la etapa más ilustrada de Dalí, con influencias de la ciencia, historia, religión, y sobre todo, literatura universal. Mezcla estas temáticas exteriores con su mundo onírico interior y le da así importancia a la idea que quiere transmitir y al sentimiento que intenta expresar.

Al igual que en la obra, el surrealista divide su inspiración de la Divina Comedia en tres partes que se muestran en la exposición: el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, todas ellas de un modo jerárquico. Los grabados de la primera son más agresivos que el resto, y trata la violencia y la lujuria en ellos; en la segunda representa gráficamente los pecados capitales como castigos, y por último, en la parte restante, expresa los distintos cielos, en los que a medida que el sujeto asciende aumenta la luz y la felicidad.

Por otro lado, en La vida es sueño, el pintor desarrolla atracción por los personajes del drama. En los retratos se puede observar que utiliza el color negro para interpretar personajes o realidades con las que él se siente identificado.

El horario de visita, hasta el 19 de marzo, es de lunes a viernes de 10.30 a 13.30 horas y de 17.30 a 20.oo horas, mientras que los sábados abre de 1o.00 a 13.30 horas. Los domingos y festivos el recinto estará cerrado.