El Guimerá recibió un género muy poco visto en el formato teatral pero que sí es muy frecuente en la gran pantalla: la ciencia ficción. Adictos es una obra escrita por Daniel Dicenta Herrera y Juanma Gómez. Se trató de una temática que combinó la tecnología, el presente y un futuro sumido en el caos por una inteligencia artificial que se revelará contra el bien de la humanidad.

El telón se abrió a las 20.05 de la tarde para contemplar a la científica Estela Ardeson (Lola Herrera) bajo el foco de una luz azul. Sola y aterrada por la incertidumbre sobre un acontecimiento catastrófico y que puso la tensión psicológica de la gente al límite.. Una conversación de la actriz con Nova, una inteligencia artificial que ella diseñó para implantarla en todos los hogares del mundo  se vio alterada por el sonido de los gritos de una serie de manifestaciones de fondo. La actriz desapareció y dejó al público intrigado tras lo ocurrido.

La inteligencia artificial se creó para eliminar a una parte de la humanidad

En en segundo escenario, la periodista Eva Langar realizó una entrevista a Soler sobre el estudio del comportamiento humano. Se trató de la psiquiatra del hospital en el que se encontraba internada la doctora Anderson. La investigadora trató de obtener la verdad sobre los objetivos reales del experimento de la inteligencia avanzada Nova 7 y los propósitos macabros de Innovation, la empresa que la financió.

El último acto y tras la presión de Langar, la doctora Soler confesó que la tecnología de inteligencia artificial se creó con la intención de eliminar a una parte de la población humana y no con los fines benéficos que le hicieron creer a la doctora Anderson sobre Nova 7.

La linealidad de la obra se perdió en su transcurso porque se apreciaron algunos saltos inconexos en el hilo conductor de la historia. Lo que causó dificultad en la transmisión de un mensaje al público.

La charla empezó con una grabación de Gerardo Martín, director del grupo escénico Ángel Guimerá, realizada por el 160 aniversario del nacimiento del dramaturgo en santa Cruz de Tenerife. Se trataba de un texto en el que Guimerá hacía referencia a Canarias y su dialecto tras encontrarse con un habitante ilustre de las Islas. Tras este prólogo, Delgado explicó cómo conoció la obra del dramaturgo y su experiencia laboral en el Teatro. Además, reflexionó sobre qué tan reconocido es el autor en las Islas y si el hecho de que la gran mayoría de su obra está en catalán supone una dificultad añadida en ese aspecto.

Delgado contó que en 1990 se mudó a Barcelona, donde empezó a trabajar en el teatro y se encontró con que la gente tenía una concepción completamente distinta de la figura de Guimerá. En Tenerife le parecía «anticuada, ajena y casi irrelevante», y ahí era muy respetada y «representada por las mejores compañías».

«Era muy difícil una vinculación entre el autor y Canarias. Aquí nadie lo conocía y allí mucha gente no sabía que venía de las Islas», indicó la dramaturga. Además, recordó que hay obras o creaciones basadas en su trabajo que todavía no han llegado al Archipiélago. «Es el caso de Mar y cielo, un musical de Dagoll Dagom que aquí aún no ha sido interpretado, pese a que ya fue traducido al español», lamentó.

«Aquí solo es el nombre de un teatro»

Isabel Delgado dijo que, independientemente de reivindicar su figura, «si queremos percibir a este dramaturgo como nuestro debemos cambiar radicalmente de planteamiento, pues «mientras Guimerá es una figura muy arraigada en Cataluña, aquí solo es el nombre de un teatro». Así, entre otras acciones, pidió recuperar el Premio de Teatro Ángel Guimerá, incluir algún texto suyo en el programa de Bachillerato de Canarias, como ya ocurre con Benito Pérez Galdós, e inaugurar un área de investigación en las universidades canarias centrada en su figura.

José Antonio Arteaga, por su parte, abordó las dificultades de traer la obra de Guimerá al mundo contemporáneo debido a que está ligado a un romanticismo basado en el tremendismo, una técnica dramática que se aleja estéticamente de las sensibilidades actuales. «La gente ve un desenlace de una obra de Guimerá en teatro y le entra la risa», comentó.

Además, destacó que las obras del dramaturgo derivan del modernismo, lo que «las lastra». Hace que posean una «mayor calidad literaria», pero, al mismo tiempo, «añade al tremendismo el verbalismo». Por ello admitió que, desde el punto de vista dramatúrgico, se debía hacer «un esfuerzo importante para actualizarlas» pese a su «indudable valor literario».

Asimismo, abordó la fascinación que despertó Guimerá tanto en los fascismos europeos como en los movimientos anarquistas españoles. Tal fue la admiración por su obra que, en la Alemania nazi, la directora de El triunfo de la voluntad, Leni Riefenstahl, se encargó de llevar al cine Tiefland, una adaptación de Tierra baja de Ángel Guimerá.

Arteaga explicó que la producción del dramaturgo se puede dividir en dos grandes bloques dependiendo del contexto en el que ocurre la acción: obras rurales y urbanas. Las primeras, despertaron el interés de los totalitarismos de derecha, ya que establecían un contraste entre las personas que se asentaban para dedicarse a la agricultura y aquellas que eran nómadas por dedicarse a la ganadería.

Señaló también que «en un mundo regido por la desigualdad, donde la policía actuaba al servicio de los grandes patronos, las obras de Guimerá introducían un elemento de justicia divina». Para Arteaga ese elemento es la clave que motivó las lecturas anarquistas.  «Es algo muy trasladable a nuestro contexto actual de conflictos constantes. El teatro debe desilusionar, sí, pero también ilusionar», afirmó.

Conchita Piña, finalmente, se ofreció para que su editorial traduzca toda la obra de Ángel Guimerá al español.

Las coreografías en modalidad grupal del subgénero pop coreano energizaron al público asistente en una nueva edición de Tecnocon el sábado, 11 de mayo, desde las 19.28 horas hasta las 22.15 horas en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife. En el evento personas de todas las edades corearon letras de canciones de artistas populares de Corea del Sur en sincronía con los pasos de baile ejecutados por cada uno de los grupos participantes: K-elf, Efímero, AC´S, Invidia, Meraki, Runas, Seasons, Kysme, Cowie Crew, Phoenix, Real Blood, Leviathan, Founded Crew, Spectra, I-Liyx, Ivy, Rhythm Max, Eanigma, Bumbleblee e Inooit. Se alzaron con el primero, el segundo y el tercer premio: Ivy, Phoenix y Leviathan. El alcalde de la capital tinerfeña, José Manuel Bermúdez, entregó el mayor galardón en metálico: mil euros.  La empresa organizadora del acto fue Factoria de Innovación.

El Campeonato reunirá a más de treinta participantes de diferentes edades que imitarán los pasos de baile de figuras conocidas del korean pop. El presupuesto destinado a premios será de tres mil euros para los tres primeros puestos resultantes de ambas categorías. La puntuación sobre la puesta en escena, el vestuario artístico y la originalidad de cada participación será otorgada por un jurado experto en la disciplina de este concurso.

El término kpopers se refiere a las personas fanáticas de la música de mayor referencia dentro de la cultura surcoreana.  González considera que la celebración de este certamen implica «asumir el interés de una temática en auge por parte de un público que agota el aforo del  recinto por segundo año consecutivo».

La empresa organizadora del evento es Factoría de Innovación.

El mensaje es «otorgar a la mujer el lugar que le corresponde, no solo externo, también el interno que cada una debe conquistar y reconocer en sí misma», apunta Rocío Pozo. Añade que «se ha escrito tanto para mujeres como para hombres». La idea surgió «a través de otra obra que realizamos hace dos años centrada en la violencia de género. Decidimos representar todas las virtudes y cualidades que nos caracterizan».

Las Cuatro Estaciones de Vivaldi

La directora subraya que la parte más complicada para llevar a cabo la obra fue «la musical porque incluimos Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, que representó un verdadero desafío para coreografiar desde el flamenco». No obstante, afirma que «estoy encantada con el resultado final, creo que la obra adquiere una fuerza muy especial».

La intérprete comenta que «no podemos olvidar que la vez anterior que estuvimos en el Guimerá, la respuesta fue increíble». Asimismo, dice que «esto nos llena de ilusión y motivación para presentar este nuevo trabajo con el deseo de conectar con el público, hacerles sentir emociones y que puedan identificarse con las diferentes mujeres. Nuestra ilusión es que este mensaje llegue a los corazones».

El equipo artístico está integrado por mujeres: Anabel Estévez, violín; Cristina Rivero, danza española y flamenco; Marta Fernández, actriz y bailaora; Carolina Eusa, bailarina de danza holística, y Rocío Pozo.

Si escucha la palabra ‘teatro’, ¿qué es lo primero que piensa? ¿Cómo definiría la conexión que tiene con las tablas? «Para mi el teatro es la parte más artística y creativa a la que me enfrento como intérprete. A estas alturas, me considero narradora y el escenario de un teatro es un lugar para narrar y donde me encuentro muy a gusto. Es un espacio sagrado para la palabra y para la interpretación».

Hablemos de La Profesora. ¿Cómo le llega el proyecto y por qué decidió embarcarse en el? «La obra es un texto contemporáneo y su propio autor, Eduardo Galán, es el que me pasa el texto. Desde la primera vez que lo leo me parece que tiene algo especial. En primer lugar, porque aborda la actualidad, y, por otro, debido a que cuenta la relación de dos personajes a través de las curvas de una comedia dramática».

¿Cuál diría que es la fortaleza de la obra? «La dirección de Carla Nyman ha llenado de poesía los espacios escénicos y ha conseguido, con muy pocos elementos, una obra muy hermosa. Junto a esto, que el proyecto trate temas de rabiosa actualidad, me parece lo más destacable. Hablamos de adolescentes que tienen problemas reales y con los que miles de jóvenes pueden encontrar similitudes. Esto provoca que entre las risas, que puede provocar ciertos comportamientos de rivalidad entre padre y profesora, se escuchen largos silencios de emoción y sensibilidad en los teatros ya que la gente capta, de manera perfecta, lo que se cuenta en cada momento. Hay mucho respeto hacia los pasajes dramáticos y me emociona mucho poder conmover».

«La obra trata temas muy latentes en la actualidad»

¿Qué se va a encontrar el público al ver la obra? «La trama cuenta la relación entre una profesora, el personaje que yo misma interpreto y la de un padre de una alumna conflictiva. Durante trece reuniones de tutorías los personajes, en un primer momento antagónicos, van revelando como en un pequeño thriller, cuál es el conflicto que envuelve a la alumna que no se aleja de problemas tan latentes en la actualidad como el acoso, la identidad de género, las relaciones de autoridad y las faltas de actuación en el ámbito educativo».

Temas muy actuales, ¿ha sido díficil hacerle frente? «Es necesario que el teatro sirva para contar estas realidades. Esta obra lo hace desde el respeto y siempre desde una perspectiva amable y amorosa. Esto produce en el público situaciones muy hilarantes pero también le causa complicidad y tolerancia hacia los problemas que se plantean».

Nombraba como el público se identifica con los temas de la trama. ¿Cree que la obra hace reflexionar a las personas que la ven? «Sí. La mayoría de obras teatrales actúan como espejo de la sociedad y en el escenario se revuelven numerosas emociones. Es precioso que las personas se vean reflejadas en el texto o que, a partir de entonces, entiendan la situación y abran su mente».

Conmover desde el teatro debe ser la recompensa más reconfortante… «Emocionar con una propuesta, es cambiar algo en la mente de las personas. Recibimos muchos agradecimientos por contar la historia de gente emocionada que nos cuenta lo que ha vivido. Ayudamos a conseguir más tolerancia y a que los corazones se abran».

«El público demuestra que quiere a los personajes»

En la obra interpreta a la profesora América Alcalá. ¿Cómo evoluciona a lo largo de la obra? «Es una docente que adora su profesión y que lleva muchísimos años ejerciéndola. No quiere jubilarse y su intención es ayudar en el problema de la chica. A medida que avanza la función, se va mostrando su lado más frágil y entre los personajes se van contando sus preocupaciones y miedos. Con este personaje rindo mi propio homenaje a todo el profesorado que siempre ha tenido un papel esencial en la sociedad».

Comparte la obra con Marcial Álvarez, que se mete en la piel del padre de la alumna. ¿Cómo ha sido trabajar con él? «Somos actores muy distintos y nunca habíamos coincidido, pero la verdad es que nos hemos acoplado muy bien. El hace un trabajo estupendo y estamos muy felices ya que el público nos demuestra que quiere y entiende a los personajes».

¿Qué espera de su paso por Tenerife? ¿Tenía ganas de regresar al Guimerá con una nueva propuesta teatral? «El Teatro Guimerá es un lugar precioso. Tengo muchas ganas de volver para acercar nuestra historia. Creo que va a ser una cita mágica, les va a gustar mucho y va a darles de que hablar y reflexionar, tanto de la propuesta y el enfoque del sistema educativo actual ante situaciones de crisis».

La pieza escrita por el dramaturgo y productor Eduardo Galán, está coprotagonizada por Isabel Ordaz y Marcial Álvarez. Narra la historia y relación de Ámerica Alcalá  y Carlos Ortiz, una profesora de un instituto público y un padre que se ven obligados a conocerse en una tutoría para evitar la expulsión de su hija Daniela. Sin embargo, lo que un principio iba a ser una simple reunión, acaba por convertirse en un viaje de 7  intensos encuentros entre ambos. 

Aunque se trata de una comedia dramática, Nyman señala que la historia tiene un mensaje más profundo. «Lo interesante es el trasfondo humano de cariño y fragilidad», apunta. Además, añade que La Profesora provoca que «el público salga con una sensación de ternura», al ver que dos personajes tan dispares y antagónicos logran encontrar apoyo moral en el otro. 

«Galán le dio un lenguaje fresco y contemporáneo a la obra» 

«El guion tiene una construcción clásica y convencional», señala Nyman, asegurando que no hay saltos en el tiempo sino «una lectura lógica y cronológica de los hechos». Aunque sobre esto destaca la dualidad en su representación, ya que a pesar de ello «Eduardo Galán le dio un lenguaje fresco y contemporáneo a la obra».

La escritora agradece poder contar con un equipo «inmenso y muy preparado».  Señala que al conocerlos se dio cuenta de que «podía delegar gran parte de su trabajo en personas con habilidades excepcionales». Añade que el público se suele sorprender cuando se dan cuenta de que la dirección corre a cargo de una persona de 27 años. No obstante, «estoy muy satisfecha con nuestro trabajo», concluye.

El Avaro es una obra de teatro escrita por Molière que sigue la vida de Harpagón, un anciano obsesionado con preservar su fortuna. La trama se desarrolla en París y muestra el egoísmo humano en relación con el dinero y el poder. También aborda temas como el maltrato laboral y el sexismo.

Raúl Vera, personaje de Mariano (cocinero) y Cristóbal (cochero), además de realizar otras intervenciones como en coro y pequeños personajes sin texto, afirma que “lo más laborioso ha sido tener que diferenciarlos a nivel vocal y gestual, lo realmente complicado al tratarse de comedia es no caer en el el chiste fácil”.

La Compañía viaja por varias partes del mundo. «Pasamos mucho tiempo juntos, hoteles, viajes, ensayos… esto hace que tengamos que convivir más que en cualquier otra profesión» dice Vera. También comenta que «actuamos en China con Divinas palabras y había subtítulos traducidos». En 2023 celebraron 40 años de unión y grabaron un documental sobre el Grupo. 

El monólogo teatral a la vez que musical inspirado en la la famosa pintura Las dos Fridas, inició con un breve documental que relataba como empezó todo en 2017. En el explicaron como el elenco se empapó de la historia de la artista mexicana, conoció su casa, sus costumbres e incluso su forma de pensar, siempre con esa positividad que la caracterizaba pese a todo su dolor físico y mental. Además, en el vídeo presentaron al equipo encargado de la realización del evento.

Ellos mismos realizan los collage que se presentan en cada momento para contextualizar, a la vez que la actriz realiza su presentación. «Las imágenes se van creando según las necesidades de cada acto, siempre partiendo de los cuadros de Frida para crear un fondo apaisado y que tenga dinamismo», explicó Tubía.

La historia se cuenta en orden cronológico, por lo que se empieza desde la niñez de la mexicana, hasta la muerte de la misma. Hace especial hincapié en cuanto a lo que sintió cuando la aceptaron en la escuela de pintura. «Su más grande motivo para seguir viviendo», confesó.

«Viva la vida porque siempre volvemos a donde alegre la vivimos»

Tal y como nos contó la protagonista del espectáculo «lo más llamativo de Frida era su manera de querer la vida», incluso cuando estaba en sus últimos momentos, solo deseaba vivir un día más. Por otro lado, uno que toma mucha importancia en el transcurso del musical es Diego Rivera, su eterno amor, hasta su aliento final mantuvo la esperanza de que él la amará con la mitad de intensidad que ella lo hacía.

Valadez vivió enamorada de su cultura y todo lo relacionado a ella. Asimismo, querían enfocarse en Frida Kahlo y escribir una obra sobre su persona, tenía claro que se desarrollaría a través de canciones y sumergiéndose en sus pinturas. Es por eso que la primera pregunta que se hizo cuando se aventuró a realizar este proyecto fue: «¿Cómo se escribe un musical?».

El cierre de telón fue acompañado con un mensaje que desprendía positividad y con el que incidían de nuevo en la importancia de tener esperanza. En la escena final, el elenco expresó diversos consejos para conseguir estar en paz. Con la frase final emocionaron a los allí presentes: «Viva la vida porque siempre volvemos adonde alegre la vivimos».

Se inspira en la famosa pintura «Las dos Fridas», que refleja la dualidad de la autora. Con ello consigue una experiencia artística inmersiva, donde el objetivo es conmover y emocionar al público. Desde su estreno en Madrid en el mes de septiembre del año pasado, han cautivado a diversos países. Tras su paso por Costa Rica, llega a Tenerife con dos fechas. La primera en la capital y, posteriormente, el 1 de marzo en el auditorio de Adeje.

«Estamos expectantes por sentir el calor y la hospitalidad de su gente»

Florianne Valadez, autora y actriz protagonista de este montaje, comenta que «es emocionante llevar la historia de Frida Kahlo a tantos lugares y compartir su mensaje de esperanza y lucha». Además, con respecto a lo que representa la isla de Tenerife «supone un paso importante en nuestra travesía, y estamos expectantes por sentir el calor y la hospitalidad de su gente», confiesa.

Valadez afirma que «este musical no solo busca entretener, sino también inspirar al público a través de la vida y obras de la mexicana». Muestran una faceta menos conocida de la artista, alejada de la mítica imagen de la pintora en una silla de ruedas. Por ello incide: «es una experiencia única que fusiona arte, música y teatro y con la que realizamos un homenaje a una de las figuras más influyentes del siglo XX que no deberían perderse».

La función aborda aspectos que son importantes en las relaciones humanas y espirituales. Se busca explorar el amor, los vínculos con lo terrenal y lo espiritual, y el mundo de las  sensaciones y los sentidos. También trata la pertenencia y la necesidad de formar parte de algo, así como la importancia de los ritos y mitos para mantener esa unión.

«El amor a uno mismo es imposible si no se pertenece a un grupo»

Es una obra bailada por cinco chicas que «juegan en el desequilibrio, contorsión y métrica como no había hecho antes en ninguna de mis obras», asegura el director. Lo más complejo para Abreu está en cómo ellas defienden una coreografía muy bella, pero de una profundidad y riqueza técnica muy visible y exigente.

Además, explica que «sus cuerpos se mueven todo el tiempo sobre los dedos de los pies y con la cabeza fuera del eje». Esta inspiración viene de los gestos que los hindúes hacen al afirmar, al dar un sí a todo. «Me parecía que ese debía ser el punto de partida, una cultura rodeada de amor y acogida, cuyos gestos son tan fuertes y frágiles», asegura el artista.

Por otro lado, el también coreógrafo del proyecto, expone que «necesitamos una danza con una mirada desde lo que es, no desde lo que se cree que debería ser», pues «no nos podemos enfrentar a las obras de baile desde un punto de vista en la que todo se traduce a las palabras, la economía o el entretenimiento».

Elfo es un tributo a un musical llamado Elf. La compañía hizo la primera adaptación en español que se conoce de esta obra y se han tomado la libertad de versionarla al público isleño, modificando las localizaciones dónde se desarrolla la historia. Así como algunas partes de los textos pero con respeto al argumento original.

La historia trata sobre un bebé que termina en el taller de Papá Noel dentro del saco de regalos, y aunque es adoptado y educado como elfo, se vuelve tres veces más grande que los demás. La historia sigue al elfo en su búsqueda de pertenencia y significado en el mundo, enfrentándose a desafíos en la ciudad donde vive su familia.

«No hemos querido copiar la versión original»

Sonia Gil, actriz de la compañía y exconcursante de La Voz España, reconoce que su mayor preocupación era no estar a la altura del musical por sus complejas coreografías. «El hecho de prepararnos en apenas un mes fue mi mayor reto, tanto a nivel de coreografías como a nivel vocal», comenta la actriz. Eduardo Tellez, coreógrafo de la función,  tuvo la libertad de creación de estas coreografías. «No hemos querido copiar absolutamente nada de la versión original, respetando así el material registrado», manifiesta.

Después de su presentación en el Teatro Guimerá, Elfo terminará su temporada de navidad, el día 4 de enero, en Arafo. Tellez  dice que «la Compañía está llevando a los teatros de las Islas Canarias un producto de calidad como los que acontecen en las grandes capitales del mundo».

¿Cómo surgió la oportunidad de trabajar en Tadeo Jones? «Realicé una audición en abril de este año mientras terminaba mi último curso de teatro musical en Madrid. Cuando me enteré, me desplacé hasta Gran Canaria. Afortunadamente, al tiempo me comunicaron que había sido seleccionado como papel protagonista del musical».

¿Qué sintió al recibir la noticia de que iba a regresar a Canarias? «Fue un momento bastante importante para mí. Venía de Madrid con la idea de que en Canarias no había oportunidades de empleo para mi profesión. De repente, me dieron el papel principal en un musical increíble. La emoción al recibir la notica fue indescriptible, sobre todo saber que iba estar en casa con mi familia haciendo lo que me gusta».

¿Cuál fue su impresión tras el estreno del musical? «Mi primera actuación en Gran Canaria fue emocionante, con un teatro lleno y una respuesta increíble por parte del público. Actuar en ese escenario donde también lo hice de niño creó una conexión especial. Pensé en lo afortunado que era al estar estrenando mi primer trabajo profesional como protagonista en un lugar donde solía ir por diversión».

«Me siento con más expectativas de trabajo en Canarias que en Madrid»

¿Qué opina sobre la oferta de empleo artístico actual en las Islas? «He de decir que descubrí un micromundo en Canarias que desconocía. Aunque es cierto que la profesión no garantiza estabilidad, me va bien. Lo cierto es que, personalmente me siento con más expectativas de trabajo en las Islas que en Madrid. Sin embargo, entiendo que para muchos compañeros, la situación es más difícil y tuvieron que abandonar debido a sus necesidades económicas».

¿Prefiere trabajar fuera o dentro de las Islas? «La calidad de una producción en Gran Vía es inigualable en comparación con una producción canaria. Aunque podría estar ahora mismo en Madrid, prefiero estar en mi zona de confort, donde yo me críe, y eso no se paga con nada. Prefiero ser cabeza de ratón en Canarias que cola de dragón en la Península. Por ahora, estoy feliz aquí».

«Cuando se cerró el telón nos pusimos a llorar»

¿Se identifica con aspectos de la personalidad de su personaje? «Cuando me dieron el papel de Tadeo, me sorprendió, ya que no creía tener el perfil del personaje. Sin embargo, descubrí similitudes a medida que avanzaba en el proceso. Soy de los actores que piensan que lo que puedes hacer mejor es lo que más se asemeja a ti».

¿Cómo describiría al protagonista de Tadeo Jones? «El protagonista es un arqueólogo totalmente valido y muy competente, pero no reconocido en su trabajo. Al final es una realidad que muchas personas experimentamos cuando nos presentamos a una audición. Tadeo es un personaje muy familiar y agradecido, y aunque no fue creado por Shakespeare, si tiene cierta profundidad e interés».

¿Cuál es su motivación para trabajar en la interpretación? «Te voy a contar una anécdota que lo explica perfectamente.  La última vez que hicimos función en el Teatro Leal, el público estuvo totalmente entregado. Al finalizar, se pusieron de pie y estuvieron como cuatro o cinco minutos aplaudiéndonos sin parar. Entre nosotros nos mirábamos emocionados. Cuando se cerró el telón nos pusimos a llorar todos juntos. Es que, aunque hayan castings en los que te digan que no, y días en los que no llegues a fin de mes, experiencias como estas son la razón por la que sigo dedicándome a esta profesión».

La gira comenzó en Puerto Rico el 20 de agosto de 2022. Actuó en países como Estados Unidos, República Dominicana, México, Venezuela, Colombia, entre otros. En España, la gira empezó el 13 de noviembre en Madrid, continuando por Valencia el 22 de noviembre y en Sevilla el 23 de noviembre. El tour finalizará en Barcelona el 2 de dicmebre.

Antología 20 años es un álbum con versiones renovadas de sus mayores éxitos. Está compuesto por catorce temas, once nuevas versiones de sus canciones más populares y tres inéditos: El Pobre, Llevarte al Cielo y Resucito. Además, de clásicos como El Sol No Regresa, La Frase Tonta de la Semana o Que te Quería.

Comenzaron hablando sobre los espacios seguros para las personas pertenecientes al colectivo LGTBIQ+. Donde Eduardo intervino para hablar sobre la existencia de espacios que parecen seguros para las personas del colectivo y que verdaderamente no lo son. «Nunca hay que fiarse en exceso, aunque sea un espacio seguro», manifestó. Contó que en la alfombra de los premios Goya recibió mucho odio por la forma en la que acudió vestido: «Se supone que es un espacio seguro y a mí me han criticado por ir vestido de rosa».

«Una guía de feminismo para dummies»

El color rosa fue el tema principal de la charla. El moderador lo hiló con el reciente estreno de la película Barbie, donde Jedet fue invitada al estreno y todas las personas invitadas debían acudir con algo rosa. Entre risas comentó que estando allí «no sabía si estaba en los carnavales de Santa Cruz de Tenerife o en un estreno».

Asimismo, aseguró que la película «es increíble» y cree que «está llena de mensajes muy necesarios». Narró una escena que se le quedó grabada en la que Barbie dice que no tiene una vagina y Ken no tiene un pene: «Al ser una persona trans, ese tipo de frases se agradecen». Agregó que la película es «una guía de feminismo para dummies». Incitó a las mujeres que tengan a su alrededor hombres cis heterosexuales que acudan a ver la película con ellos. «Les va a educar. Van a ser conscientes de que tienen un privilegio que a veces damos por sentado y no debería ser así», comentó.

Casanova contó que también le gustó mucho la película. «Admiro la promoción que han hecho con la película», aseveró. Manifestó que es un buen manual para explicarle cosas a las personas. Asimismo, comentó que: «Han colado en el mainstream un discurso bastante radical. Barbie es una película que sales de verla y no paras de darle vueltas a la cabeza».

«Ahora me doy ese gusto de poder disfrutar de lo que realmente me gusta sin sentirme juzgada»

La relación de Jedet con el color rosa viene de cuando era pequeña. «Yo crecí como un niño homosexual en un pueblo, por lo que  me prohibían un poco jugar con Barbies o tener relación con el color rosa para protegerme. Al final eso me traumatizó y me cohibió», señaló. Contó que cuando se fue haciendo adulta comenzó a liberarse y a comprarse cosas que no podía de pequeña: «Ahora me doy ese gusto de poder disfrutar de lo que realmente me gusta sin sentirme juzgada».

Para Eduardo, «el rosa es un color para rebelarse contra el sistema». También le nace el gusto por el color desde pequeño. Narra que Fidel, su personaje en la serie Aida, le ayudó a quitarse la vergüenza, puesto que «el personaje vestía mucho de color rosa y eso al final es una liberación y quita el miedo a lo que te puedan decir».

El director piensa que la utilización del color rosa por personas del colectivo LGTBIQ+ viene de que «en un momento se nos fue negado» y que en estos momentos «lo usamos por rebeldía». En sus proyectos es un color recurrente: «No concibo una escena de una película dirigida por mí que no esté teñida de color rosa».

«El rosa en mi trabajo es tener algo que contar»

«Recuerdo que cuando comencé a ser notoria en redes fue por ser un chico que se maquillaba, King Jedet, pero para mí era normal lo que hacía», añade Jedet hilando con la rebeldía de la que hablaba Casanova. Además, comenta que iba por la calle y se acercaban a ella jóvenes con los labios pintados a agradecerle lo que estaba haciendo.

Narra que fue una época muy bonita en la que sentía que la premiaban por ser rebelde. Aunque confiesa que con el paso del tiempo se ha ido calmando. «No he dejado de decir lo que siento y de rebelarme contra las injusticias, pero ahora estoy más tranquila con las personas. En esa época estaba más enfadada y más a la defensiva porque no me sentía cómoda ni con mi cuerpo ni con mi identidad», cuenta la actriz. Comenta que ahora que está tranquila y lucha desde otro lugar.

Casanova añadió que «cuanto más enfadado estoy, más ganas tengo de vestir de rosa públicamente». En los estrenos de sus películas, las personalidades siempre acuden de rosa y contó que quiere que esto siga pasando. Por otra parte, manifestó que: «El artista debe tener cierto enfado con la sociedad para que su trabajo sea interesante. Y el rosa es exactamente eso en mi trabajo. Es tener algo que contar».

«Lo que ocurre en las redes sociales no es el mundo real»

Hablaron sobre el odio en redes sociales. Jedet contó que «he llegado a sentir que todo un país me odiaba». Comentó que muchas veces ha tenido miedo de salir a la calle debido a que le han llegado amenazas de muerte a través de redes. Por su parte, Eduardo recalcó que pese a tener «hate» en redes sociales, «la realidad en la calle no es esa». Jedet afirmó las palabras de Casanova y dijo que «lo que ocurre en las redes sociales no es el mundo real».

El director recordó los Premios Goya en los que fue criticado por su vestimenta. «Coincidió con que el día antes Bad Bunny había sacado una campaña con Jacquemus donde salía con falda, y no fue criticado en ningún momento. Era como un héroe», afirmó. Mientras que Casanova sufrió uno de los peores momentos de su carrera: «¿Por qué a él se le aplaude y a mí no?, es algo que deberíamos plantearnos».

Jedet ultimó la conferencia contestando a una pregunta de una persona del público sobre las dificultades que tiene como mujer trans para acceder al mundo del cine. «Muchas veces ni me llaman, menos mal que hago mi música y más cosas y con eso me va muy bien», aseveró. Como artista, le frustra no poder acceder a papeles que «sé que puedo defender», debido a que la mayoría se los ofrecen a personas cis heterosexuales.

¿Cómo le llegó la propuesta para dirigir la obra? «A mi me llama la persona que distribuye los espectáculos de La Calórica y me comenta que conoce a unas amigas que querían montar un texto teatral y que buscaban un director joven para dar una visión y un enfoque distinto. Él les había hablado de mi y me pareció algo guay. Luego me enteré que esas amigas eran Candela Peña y Pilar Castro y me quedé encantado. Tras leer el texto, que me pareció muy interesante, acepté la propuesta e iniciamos el viaje».

Contracciones es una adaptación de Love Contract de Mike Bartlett. ¿Cómo ha sido el proceso de construcción de la obra? «Creo que hemos obtenido un buen resultado. La obra ya estaba montada en Inglaterra pero solo estaba escrita para la radio, con diálogos y sin apenas acción. Lo que hicimos fue fomentarle a la obra todo lo que no estaba escrito, crear la visual de las escenas que la componen».

El proyecto tiene un toque de crítica social. ¿Qué cuestiones quiere reflejar? «La pieza es bastante contundente con el abuso de poder y con la idea de que no hay que dejarse apretar o ceder ante pequeñas amenazas o peticiones de las empresas, por ejemplo, el miedo a quedarse embarazada por perder el puesto de trabajo. Refleja que tenemos que ser conscientes de dónde están los límites para que los altos cargos no nos ganen la partida».

Creo que es un tema que hace reflexionar a la gente que está en la butaca del teatro... «Sin duda alguna… Todas las personas hemos vivido o conocemos a alguien con problemas laborales. En los encuentros con el público que hemos hecho, cuentan testimonios reales sobre acoso laboral que nos sorprenden mucho. Contracciones es una exageración de estos casos, que los lleva al ridículo. La gracia de la obra es que esa hipérbole es un símbolo de que si nos impacta, es porque en el fondo no es tan extraño».

«La pieza representa una relación de acoso laboral»

¿Cuál diría que es el punto fuerte de la obra? «Las dos actrices que tiene y la atmósfera tan bonita que crean juntas. Tanto Candela como Pilar son dos genias de la interpretación y lo dan siempre todo en escena. Hacen que la obra sea una montaña rusa que viaja entre la comedia y la angustia».

¿Y este vaivén de emociones era algo importante desde que se comenzó a montar la obra? «Sí. Me parecía que la obra tenía que generar sensación de asfixia, encima del escenario y sobre el público. Comienza con un tono cómico que despierta carcajadas entre la gente presente y el cerco se va estrechando hacia la oscuridad. Todo esto es posible gracias a las actrices y a la atmósfera que se crea por la iluminación y la música. Es la forma de representar la sensación que tiene el trabajador ante una situación de acoso laboral».

¿Cómo ha sido trabajar con Candela Peña y Pilar Castro? «Hemos trabajado desde un sitio muy cómodo. Pilar es la jefa y Candela la empleada de la empresa y hemos jugado a crear sus personajes, poco a poco. Al principio fue complicado para romper con el estatismo del texto, pero ha sido un lujo compartir este viaje con ellas ya que cada vez que se  suben al escenario dan una lección de maestría actoral».

«Espero que la gente de Tenerife disfrute mucho»

Contracciones se estrenó desde el pasado 25 de enero al 19 de marzo en el Teatro Pavón de Madrid e hicieron temporada en Barcelona hasta finales de mayo. ¿Cómo valora la acogida? «Ha sido muy calurosa. Hemos estado con los teatros llenos durante todas las funciones y con un público entregado, siempre en pie, que sale del teatro muy contenta por ver la obra pero, a la vez, lleno de angustia».

¿Qué espera de la nueva gira? «Creo que allá donde vayan les va a ir bien. Son dos actrices muy queridas y que el público quiere ir a verlas porque las ha visto en cine y en televisión. Espero que en Tenerife guste mucho y que sea un buen pistoletazo de salida para la gira de este año que empieza en verano».

La obra es una adaptación de Love Contract, una serie de radiofónica de la BBC creada por el dramaturgo Mike Bartlett. Candela Peña es Emma, una empleada de la sección de ventas de una empresa que es entrevistada por su jefa (Pilar Castro) acerca de su vida amorosa por la relación que tiene con Darren, un colega de trabajo. Poco a poco, el personaje de Pilar Castro exige más detalles a la trabajadora y termina manipulando aspectos de su vida.

Israel Solà, director de la obra, señala que el punto fuerte del proyecto son Candela y Pilar ya que piensa que son dos genias sobre el escenario que crean una gran atmósfera. «Siempre que actúan dan una lección de maestría actoral», apunta. Además, relata que Contracciones provoca que «el público presente esté todo el rato subido en una montaña rusa», ya que se pasa de la comedia a la angustia en cuestión de segundos.

«La obra trata un tema que, sin duda, hace reflexionar a la gente que la vea», comenta Solà pensando que, en mayor o menor medida, todas las personas han sufrido alguna vez situaciones laborales similares o conocen a alguien que las haya vivido. Sobre esto, desvela que en los encuentros con el público, tras las funciones, ha escuchado testimonios reales que le sorprenden mucho. Respecto a la representación en Tenerife, el catalán espera que sea un éxito como ha sido en Madrid y Barcelona, con la mayoría de funciones con el cartel de localidades agotadas.

Gira nacional

Tras su paso por el Teatro Guimerá, la obra continúa su gira durante lo que resta de año. Las primeras fechas confirmadas son el 8 de julio en Cangas, del 2 al 6 de agosto en San Sebastián, el 14 y 15 de octubre en Palma de Mallorca, el 20 y 21 de octubre en Villanueva de la Cañada y el 28 del mismo mes en Viladecans.

El ilusionista, en esta ocasión se acoge a su lado más cómico y trae a Tenerife su último espectáculo, Es mi palabra contra la mía, el cual ya cuenta con muy buenas reseñas. El show se podrá disfrutar este 19 y 20 de mayo en el Teatro Guimerá. Durante 80 minutos, en el escenario se abordaran temas como la inconformidad humana o las situaciones más absurdas de la vida cotidiana.

 ¿Qué relación guarda el título del espectáculo con el contenido de este?  «El título se refiere a las contradicciones que todos tenemos con nosotros mismos. En mi opinión la coherencia está sobrevalorada. Este show habla de algunas de esas contradicciones que todos tenemos. La primera, la de seguir luchando por ser felices en un mundo en el que todo conspira para que no lo seamos, incluso nosotros mismos».

¿Cuánto tardó en crear el espectáculo? «Tardé dos años en pensarlo y dos meses en escribirlo. Antes de sentarse a escribir hay que pasear mucho con las ideas volando dentro de la cabeza y dejar que esas ideas hagan nidos y pongan huevos. De ahí es de donde sale el monólogo y ahí es cuando hay que ponerse a escribir, cuando te sale de los huevos».

¿Podría contar alguna anécdota curiosa que le haya ocurrido en alguno de sus espectáculos de Es mi palabra contra la mía? «Recuerdo una chica que dio a luz en medio de la función. A mitad de la presentación noté que había revuelo en el patio de butacas, en ese momento dimos luz de sala y la chica tuvo que salir porque había roto aguas. Supongo que las carcajadas fueron entendidas por el bebé como una señal de que ya había que salir. A lo mejor tenía curiosidad por ver que era eso tan divertido que había ahí fuera. Por lo general, la gente que viene a mi espectáculo se muere de risa. Esta fue la primera vez que alguien nacía de risa».

«El público es sabio y soberano»

¿Qué elementos rescataría del teatro que no le aporta la televisión? «La presencia del público en directo. Lo maravilloso del teatro es tener a las personas delante. Aunque se llama monólogo, siempre es un diálogo. Yo digo palabras, otros dicen silencios, risas, carcajadas o aplausos. Para que el monólogo quede bien es imprescindible escuchar al público y adivinar lo que necesitan. Escuchar sus risas, sus aplausos y, sobre todo, escuchar sus silencios, que es dónde más dicen».

¿Cómo definiría su humor para toda la gente que nunca ha asistido a su espectáculo? «Les diría que es un humor que cuando se mastica sabe a las cosas buenas de la infancia, pero que deja un retrogusto que nos indica que lo mejor aún está por llegar. Realmente no lo definiría de manera concreta. Les diría algo sugerente para que vinieran a verlo».

 ¿Cuáles son sus claves como monologuista, para llegar al corazón del público? «La verdad es que no lo sé. A mí me funciona intentar hacerlo cada día lo mejor posible, sin traicionarme a mí y sin traicionar al público. Lo más importante es no infravalorar jamás al público. El público es sabio y soberano. Ellos saben mejor que nadie lo que les gusta. Tú solo puedes rezar para que lo que te gusta a ti y lo que les gusta a ellos sea lo mismo».

«Escribo mis textos con las estructuras que utiliza un mago»

 ¿La estructura de ‘Es mi palabra contra la mía’ cambia en cada representación? «Existe un férreo guion, escrito a fuego y memorizado de modo implacable, que olvido en cada función. Al igual que improvisaciones meticulosamente ensayadas a las que no suelo faltar. Parece una contradicción, lo sé, pero es la mejor manera que he encontrado de trabajar la comedia».

¿En sus actuaciones y vida diaria, su humor guarda algún tipo de límites? «Mis limites son mi talento, mis miedos y mis complejos. Sin esos grilletes mi humor no tendría límites, pero tampoco sería mío. Mis límites son los que lo hacen mío. Mis límites son los que lo hacen personal».

¿Cuál cree que es la relación que guarda en su vida el humor con la magia? «He estudiado mucha magia y he tratado de llevarme todas esas enseñanzas al campo del humor. Escribo mis textos con las estructuras que utiliza un mago. Eso hace que el resultado sea muy interesante, al menos infrecuente. El resultado es un humor bastante mágico. ¿Cuáles son esas estructuras de la magia? Pues mira, ahora mismo he sacado un curso de magia online que cualquiera puede hacer, no hace falta tener habilidad ni conocimientos previos, para empezar de cero».

La obra creada por Stefano Massini narra la historia de uno de los equipos de fútbol formados por trabajadoras de las fábricas durante la Guerra. Óscar Martínez, ayudante de dirección la función, explica que Ladies Football Club «revela verdades universales que aún hoy en día nos interpelan y recuerdan la importancia de honrar a quienes allanaron el camino».

Martínez subraya que «la obra busca desenterrar las pequeñas heroínas anónimas, cuyas hazañas fueron indispensables para generar el cambio, en una trama que nos muestra cómo el todo, como grupo, es mucho más que la simple suma de sus componentes». Del mismo modo, afirma que el trasfondo desea mandar un mensaje claro: «Es un viaje en el que se invita a honrar y a otorgar el lugar que merecen las mujeres, cuyo recorrido es solo una parte de un camino más largo que aún queda por andar».

«Quiero que la gente reflexione en base a que juzgamos a las personas», afirma el director, que busca dar visibilidad a los problemas sociales a través de la participación del público. La obra tiene cómo punto de partida la novela El Extranjero, de Albert Camus. Santacana se basó en las historias de Camus para posteriormente, con una serie de adaptaciones, trasladarla al teatro y representarla haciendo hincapié en determinados momentos.

«Los actores somos unos guías, pero el público son los personajes», así afirma Santacana cómo es el transcurso de la obra. Señala que Juicio al extranjero busca que las personas que asistan se fijen en su interior e intervengan en la obra, de manera que ayuden a que el transcurso de esta sea más llevadera. La pieza va dirigida a la juventud y el alumnado universitario.

La compañía Indubio Teatro, comenzó en enero una gira por España presentado Juicio al extranjero en todo el país. Santacana también forma parte Indubio, el cual asegura «su próxima obra saldrá en septiembre de 2023», manteniendo siempre al público partícipe durante sus espectáculos.

La dramaturgia, es la escenificación de un poema y nace de la dirección de Juan José Afonso. El director ya ha trabajado en diversos proyectos teatrales dentro y fuera de las Islas y conocía de primera mano a Pedro García Cabrera, un hecho que ha sido el motor en la creación artística de la obra. Él propuso junto al director de producción Carlos Prieto, crear una memoria teatral del periodista y poeta, actualizando lo que aconteció en su vida hace más de un siglo.

El proyecto, que luego se puso en manos de los hermanos Bazo, estuvo dos años en archivo antes de volver a ser valorado para su publicación. Quique y Yeray Bazo encontraron, entonces, la oportunidad de establecer, durante la historia que estaban relatando, un discurso con el mar, que, como afirma Yeray, «llegó a ser un interlocutor del poeta».

«El guion explica a la perfección lo que le pasa al personaje»

«Lo que han hecho Quique y Yeray con esta historia es precioso como todo lo que hacen», señala Jorge Yumar, interprete de la obra. El actor, que interpreta a Pedro García Cabrera fue una de las primeras opciones para protagonizar la historia, incluso antes de que se decidiese llevar a cabo ya que desde la dirección del proyecto vieron en él el potencial necesario para encarnar al poeta.

Durante el proceso para preparar el trasfondo del personaje, Yumar se documentó sobre la historia y personalidad de García Cabrera. «Gracias al guion ha sido todo mucho más fácil, porque se entiende a la perfección lo que le pasa al personaje», declara.

«Creo que la obra va a gustar mucho»

Un día habrá una isla, narra la historia y el trasfondo de Pedro García Cabrera. En la puesta en escena, el poeta y su legado son los principales protagonistas en una historia poética y personal. «No queríamos que fuese una obra en la que pasan cosas y se recitan poemas. Queríamos que la poesía permease todo el texto», declara Yeray Bazo.

El público se podrá sumergir en la profunda relación que el poeta canario entabla en sus poemas junto al mar, símbolo que en esta ocasión se convierte en el coro de la historia. Además de ser un guion teatral, entre sus líneas se podrán descubrir versos literales que yacen en poemarios del autor. «Está todo tan integrado que crea una especie de musicalidad», comenta Yeray.

Jorge Yumar piensa que «la obra va a gustar», porque es muy emocional, visual y tiene mucho ritmo. «Es tan cortita que parece un suspiro», añade.

¿Qué significa la cultura para usted? «Es el oxígeno de un país y lo que invita a completar al ser humano. Leer un libro, ir al cine o a un concierto es un vuelo espiritual que une lo emocional junto a lo intelectual y que hace reflexionar. Enriquece a las personas y ayuda a ver la vida desde otro ángulo».

¿Quiénes han sido sus referentes? «Los he tenido en mi casa y han formado parte de mi educación y mi formación. Ha sido una suerte tener tanto a mi madre, como a mi padre. Yo nací y he crecido con exposición pública en una saga muy conocida y querida que ha aportado bastantes aspectos culturales a España. Sin duda, esto es lo que ha forjado mi identidad y mis valores».

«El aprendizaje es constante en mi profesión»

¿Cuál es el mayor aprendizaje que ha obtenido en la profesión? «Creo que mi trabajo esta lleno de variables, por tanto el aprendizaje es constante. Siempre van surgiendo nuevos retos y me rodeo de nuevas personas. Creo que hay que tener los conceptos de perseverancia, constancia, rigor y disciplina en la cabeza hagas lo que hagas. También es importante saber que cada proyecto que afrontas tiene detrás un equipo que ha confiado en ti, bien sea el de un rodaje muy pequeño o el de la gala de los Premios Goya. Todo se merece el mismo respeto y dignidad».

Este viernes y el sábado llega a Tenerife con Puertas abiertas para terminar la gira después de dos años. ¿Cuál es el hilo conductor de la obra? «El punto de partida son los atentados de la Sala Bataclan de París que tuvieron lugar en 2018. En ese momento la sociedad parisina inundó las redes sociales con el hashtag puertas abiertas por el caos que produjo la violencia en la ciudad con el fin de que la gente que estaba en las calles pudiera entrar a alguna casa».

¿Cómo es su personaje? «Interpreto a Julie, una mujer que subió a su perfil el hashtag por motivos que se irán conociendo a lo largo de la función. Al rato entra un chico árabe a su piso y comienza un viaje por los miedos, las inseguridades y los prejuicios que se dan entre las dos culturas. La obra refleja que la única manera de acercarse es el diálogo».

¿Cuál diría que es el punto fuerte de Puertas abiertas? «Creo que es un texto muy intenso e inteligente entre los personajes donde durante más de una hora se crea un arco dramático muy variado. Asimismo, cuenta unas verdades como puños que hacen que las personas salgan muy conmovidas con el mensaje que queremos transmitir».

Comparte escenario con Ayoub El Hilali. ¿Cómo es trabajar con él? «Es un actor maravillo y ha sido un descubrimiento. Hemos creado una bonita amistad. Me ha abierto la comprensión a un mundo del que no estaba tan cerca. Su personaje es muy verdadero ya que el padece la islamofobia sobre la que gira la función. Tras la obra seguimos yendo de la mano y espero seguir trabajando con él»

«Animo a que las personas vengan al Teatro»

¿La obra abrirá las mentes del público? «Sí, ya lo ha hecho durante estos dos años. Es una obra que sacude y emociona. Hemos estado en el Teatro Español, en el Teatro Romea de Barcelona y de gira por toda España y cortamos por cambiar de proyecto porque podríamos estar más tiempo. Me da mucha penita cerrar el ciclo. En Tenerife van a presenciar las lágrimas del equipo».

¿Qué proyectos futuros vienen en camino? «Sigo con Atención obras y Versión española y empiezo a preparar un nuevo espectáculo teatral que se estrenará en Mérida pero no puedo desvelar mucho más».

Kany García comenzó desde joven en el mundo de la música pero no fue hasta el 2007, con 25 años, cuando publicó su primer álbum de estudio, titulado Cualquier día. Gracias a esta obra discográfica, la cantante se alzó con sus dos primeros Latin Grammy, como Mejor Álbum vocal Pop femenino y Mejor Artista Nueva, así como con dos Billboard Latin Music Awards por Álbum Latino Pop del Año como nueva artista y Mejor Canción Latina Pop como nueva artista.

A lo largo de su trayectoria, García ha publicado siete discos, ha colaborado con Residente, logrando el Latin Grammy al Mejor Vídeo Musical por Banana Papaya, Alejandro Sanz, en el tema Muero, o Carlos Vives, en el sencillo Búscame. En el concierto de mañana hará una recopilación de sus sencillos más conocidos junto a los de su último proyecto, realizando un repaso por su carrera musical.

El humorista tinerfeño Darío López será el encargado de abrir la cita con un monólogo que dará paso a un número protagonizado por varios jóvenes migrantes de la Fundación. Por último, Abubukaka concluirá con su tradicional repertorio que mezclará la sátira con el humor absurdo.

Hotel Escuela Hogar Baobab

La recaudación de las entradas irá dirigida de manera íntegra a la construcción de los cimientos del Hotel Escuela Hogar Baobab. Un lugar de acogida que busca generar oportunidades laborales para jóvenes migrantes de África, así como formar a personas residentes de la región senegalesa de Kayar para que no tengan que abandonar su país de origen.

Con esta iniciativa, la juventud senegalesa no solo se formará en distintos ámbitos como la hostelería, la agricultura ecológica, la educación medioambiental, las energías renovables e idiomas, sino que también podrá aportar propuestas innovadoras al desarrollo de su comunidad. Asimismo, el edificio se ofrecerá como un recurso turístico y alojativo sostenible con especial atención a la sensibilización sobre la realidad africana.

Para los integrantes de la compañía teatral, colaborar en esta causa social es toda una ilusión porque «se materializa algo bastante grande para que los migrantes en origen no tengan que migrar si no lo desean». Además, como añade Carlos Pedrós, uno de sus miembros, es una buena oportunidad para que «el público pueda divertirse con dos estilos de humor totalmente opuestos».

Fundación Canaria El Buen Samaritano

Desde enero de 2020, la Fundación Canaria El Buen Samaritano ha acogido residencialmente a más de 250 jóvenes migrantes, la mayoría procedentes de Senegal. Actualmente, atienden las necesidades básicas de 33 migrantes mientras les proporcionan formación, soluciones a su situación legal, idioma y alternativas laborales.

López presentó hace un año Centro de Atención al Carnavalero Embajonado (CACE), en el que, haciendo uso de sus facultades en la edición, produjo un vídeo aclamado por la crítica del público, que hacía más de un año que no tenía esta festividad. En varias ocasiones ha admitido que esta faceta humorística está vinculada directamente con el carnaval de calle de Tenerife, el cual, dice, disfruta muchísimo.

«El espectáculo se realizará el sábado de piñata, el día del carnaval favorito del artista»

La pasión por esta festividad ha llevado a este artista a tener una gran participación en la cultura carnavalera, como con la campaña publicitaria que realizó junto a Titsa. Esta representación será una edición especial y tendrá lugar en el fin de semana de piñata, su época favorita del año. En esta función, además de su humor, pretende ofrecer un «estudio sociológico sin ningún tipo de rigurosidad», asegurando el mismo divertimento que con sus vídeos.

Los tickets para este acto de una sola sesión se encuentran ya a la venta tanto en la taquilla del propio teatro como de manera online. Con un precio no superior a los nueve euros, la función promete ser bastante completa con «monólogos, proyecciones, improvisaciones y puede que hasta alguna sorpresa», asegura su sinopsis.

Los encuentros arrancarán hoy martes martes 9 de noviembre en la Sala de Arte de La Recova con la iniciativa Late Fight Tecnológica desde las 18.00 hasta las 21.40. Se abordarán diferentes perspectivas y experiencias de varios emprendedores canarios y el éxito que han alcazando. Los invitados relatarán todos los retos y golpes que se han ido encontrando a lo largo de sus carreras profesionales y que han hecho para superarlo.

Mañana miércoles se disfrutará en el Teatro Guimerá una de las tradicionales conferencias de las ediciones, donde se abordarán las profesiones emergente, de 11.00 a 12.40 horas, además de otros bloques como Blockchain, Big Data y Criptomonedas e Inteligencia Artificial y Realidad Aumentada, respectivamente de 16.00 a 17.40 horas y de 19.00 a 20.40 horas.

«El dinero de las entradas se destinarán a los damnificados por el volcán de La Palma»

El día 11 de noviembre, de 16.00 a 17.40 horas y de 19.00 a 20.00 horas se disfrutará de sesiones de Cloud Computing, Streaming e Internet de las Cosas, así  como sobre Marketing y Social Media en el Teatro Guimerá. El viernes, sábado y domingo será el día de la TecnoCon, una convención para todos aquellos aficionados a la cultura de Internet y la Tecnología en la Sala de arte La Recova. El evento contarán con una zona Lan y se realizarán concursos de Cosplay y KPOP.

Las entradas para Tecnológica 2021 y Late Fight Tecnológica tendrán que comprarse para cada día, teniendo un precio simbólico de 2 euros, ya que irá destinado a los damnificados por el volcán de La Palma. En el caso de TecnoCon, la actividad será gratuita, pero tendrá una fianza de cinco euros para poder reservar plaza en el evento.

Las jornadas cuentan con más de una veintena de ponentes procedentes de diversos campos que, a lo largo de los días, participarán en las diversas actividades. Entre ellos tenemos a Victoria Larrode fundadora de la agencia de comunicación y marketing digital Dépayser Studio, David Ayala, cofundador de la agencia Sock Data o Edgar Martín Blas, cofundador de las compañías pioneras en diseño digital y publicidad Teaser y Xocolat Design entre otros.

«Se podrá seguir el minuto a minuto a través de las cuentas de Facebook y Twitter»

La periodista Leticia Díaz será la encargada de presentar las sesiones que se desarrollen en el Teatro Guimerá. Igualmente, durante los próximos días se irán mostrando los nombres de los participantes en los bloques que se llevarán a cabo durante la edición. La organización espera romper los récords y mejorar las estadísticas de 2019.

Las jornadas se pueden seguir minuto a minuto por Facebook y Twitter, este último a través del hashtag #TecnológicaSC.

Natural de La Palma, Valeria Castro está en contacto con la música desde que es una niña, con tan solo cuatro años ingresa en la Escuela Insular de Música de La Palma donde toma clases para ampliar sus conocimientos musicales. Comienza su trayectoria a través de las redes donde interpreta canciones de diversos artistas, tal fue su repercusión que la palmera recibió los halagos de Alejandro Sanz. Tras esa publicación, las redes sociales han sido una herramienta fundamental en su trayectoria puesto que le han ayudado a crecer en muy poco tiempo.

Obras de teatro, mesas redondas, talleres o coloquios entre otras actividades se darán cita en esta fiesta del misterio y lo oscuro. Algunas de las principales figuras que participarán serán el escritor mexicano Élmer Mendoza, considerado como el maestro de la narcoliteratura, la escritora Susana Martín Gijón o el actor Carlos Bardem.

Alejandro Martín Perera, director del evento, destaca el Seminario Internacional Tenerife Noir de Investigación en el Género Negro, acto que tiene como colaborador a la Universidad de La Laguna y que reunirá a expertos dentro de la literatura y el cine  de género criminal.

Los videojuegos estarán presentes por primera vez a cargo de la compositora Sara López

Este año se estrenará una sección sobre videojuegos en la Casa de la Juventud a cargo de la compositora Sara López. Una novedad con la que se espera atraer al público joven al evento y comenzar a mostrar otro tipo de temática no tan apoyada en estos ámbitos.

Esta parte se podrá disfrutar del 2 al 10 de octubre y estará formada por demostraciones de juegos y mesas redondas, además de apostar por la animación y la música dentro del mundo digital. Eso si, con la mujer y su presencia dentro de este tipo de ámbito.

Como en ediciones anteriores, se podrá disfrutar del ‘Cinefórum noir’, una actividad audiovisual que mostrará cuatro películas en su versión subtitulada: ‘Carol’, ‘Extraños en un tren’, ‘El amigo americano’ y ‘Thelma y Louise’, y el ‘Tenerife Noir Express’, convirtiendo a Santa Cruz en un decorado de cine negro.

Se la ha considerado una de las mejores actividades del año 2020 en Canarias

Los lugares asignados los podemos encontrar en el TEA, el Museo de Naturaleza y Arqueología (MUNA), la Casa de la Juventud, el Espacio Cultural La Recova, el Teatro Guimerá y la Facultad de Educación de la ULL. Según el Informe Anual del Observatorio Cultural de España, este evento está dentro de una de las mejores quien actividades programadas en Canarias en el año 2020.

Esta fiesta de la cultura cuenta con el respaldo del Cabildo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Gobierno de Canarias y la Diversidad de La Laguna y la Universidad de La Laguna. Esta última, según la directora de la Oficina de Transferencia de Resultados de Investigación de la Universidad de La Laguna, Raquel Marín, quiere continuar siendo un pilar a la hora de colaborar.

Las entradas ya se pueden retirar a través de la web. Los tickets a las actividades son gratuitos, exceptuando para aquellos lugares donde ya se ha especificado el precio como el Teatro Guimerá o el TEA. Si se quiere acceder al MUNA, se deberán abonar 3,50 euros y, en el caso de querer inscribirse en las activadles de la Casa de la Juventud, se deberá de enviar un email a saralopezproductions@gmail. com.

La compañía Les Founambules es uno de los mayores atractivos en un cartel de grandes estrellas. El Teatro Guimerá en Santa Cruz de Tenerife y el Teatro Circo Price en La Palma serán los lugares que acogerán a este mítico dúo de origen belga con el espectáculo ‘Le pied sur la savonnette’. Su humor inteligente e irreverente será su carta de presentación. Repasarán algunos de sus sketches más conocidos e inspirados en la vida cotidiana.

Inscripción

Además, en el Espacio La Granja de la ciudad tinerfeña impartirán un taller de clown para todas aquellas personas interesadas en este mundo. Se trata de una oportunidad para aprender de dos referentes de este arte. La inscripción se hará a través de festivalfic@gmail.com con un precio que oscila entre los 100 y 120 euros.

El resto de agrupaciones, Licchettino, Djuggledy, Les Pedettes Variettes o Bambolan, entre otras, completan el programa de esta edición que promete ser mejor que la anterior. Las entradas se podrán a la venta en los próximos días. Se espera que haya una gran participación y que, tras la situación de pandemia, se pueda crear un ambiente positivo y divertido entre la asistencia.

«Are you ready?», enunció el bluesman tras su solo en la primera canción. La respuesta del público se escuchó firmemente en el Guimerá: «Yes!». Sin dejar de tocar y guiando con su mano a sus compañeros a través de los matices de la canción, no olvidó agradecer la asistencia.

Cuando este prometedor arranque de concierto concluyó, sonaron los primeros acordes de Bucket Full of Blues de su disco homónimo publicado en 2016. Tras finalizar dicha canción, Sanders dio paso a Convo Square donde el guitarrista y el batería tuvieron la oportunidad de demostrar sus cualidades en sus solos que, como era de esperar, fueron fervientemente ovacionados.

Un viaje por el Misisipi

John Lee Sanders consiguió crear un ambiente bastante yanqui, y no solo por el hecho de que se dirigió al público únicamente en inglés. Su pasión y conocimientos sobre este género, tan asociado al folklore popular estadounidense, pudieron vislumbrarse en las introducciones que hizo para cada canción. El bluesman hizo un recorrido por estilos que van desde la ribera oriental del Misisipi, con una canción popular de Memphis, hasta sonidos propios de Nueva Orleans en su canción Midnight in New Orleans.

Please send me someone to love bajó las revoluciones de la noche. Esta romántica canción hizo que las luces del Guimerá se tiñeran de rojo y el público siguiese el compás con la cabeza. Al finalizar, Sanders quiso agradecerle de nuevo la asistencia al aforo y afirmó que estaba muy contento de ver a tal número de amantes del blues.

Tras esto, volvió a animar al público con Spanish Inquisition. Esta versión de L’amour est un oiseau rebelle de la famosa ópera ambientada en España, Carmen, hizo que el público reconociera inmediatamente la melodía y acompañase con palmas.

Después, los músicos que lo acompañaban se ausentaron del escenario para, de este modo, pasarle el relevo momentáneo de la noche únicamente a Sanders, quien interpretaría una de las canciones pioneras del blues, The crave de Jelly Roll Morton y, por otro lado, la clásica Feeling good de Nina Simone.

Por último, los músicos volvieron al escenario para encarar la recta final del espectáculo. Mess around de Ray Charles iba a ser la última canción. Sin embargo, tras una enorme ovación del público y una petición a coro para que tocasen otra pieza, el cuarteto accedió y el concierto terminó a las 21.58 horas con el deseo de Sanders: «Hope to see you again«.

John Lee Sanders pasó su infancia entre Luisiana y Alabama, regiones donde el góspel y el blues son géneros musicales profundamente arraigados a la cultura popular. Y aunque debido al desarrollo de su carrera musical en estos estados domina múltiples instrumentos, en esta ocasión deleitará a la asistencia del acto con su destreza únicamente en el piano. Acompañándolo, y formando un cuarteto, estarán Felu Morales al bajo, Eliseo Lloreda a la guitarra y Alfredo Llanos en la batería.

La Santa Blues Pand, creada específicamente para este festival en 2007, acompañará a la guitarrista Laura Solla, la cual fue elegida como una de las referentes de España en este instrumento por los 40 Principales en 2020. Además, ha formado parte de la banda que la cantante Zahara tiene como apoyo musical en los conciertos.

Por su parte, Elena Suárez aportará la voz al festival. Esta artista de Lanzarote, afincada en Tenerife, ha formado parte de la Funktastic Band y de la Baby Black Quartet, esta última creada por ella misma. No obstante, no es la primera vez que participa en Santa Blues de Tenerife, pues ya en 2014 fue integrante de la banda del festival.

En este acto colaboran la Red española de teatros los programas de Danza a Escena y el Circuito Acieloabierto de la Red de danza de calle y espacios insólitos, ambos pertenecen al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura del Gobierno de España. Además, el festival cuenta con el sello Europe for Festivals, Festivals for Europe (EFFE) de la Unión Europea.

El festival comenzará en el Paraninfo de la ULL a las 10.00 horas con Ina de Paloma Hurtado y Daniel Morales. A las 12.30 horas tendrá lugar, en el Espacio La Granja, Dance, no goal, de Carlota Mantecón. Esa misma tarde arrancará en el Teatro Guimerá el estreno en Canarias de Dosis de Paraíso de la compañía de danza Sharon Fridman. En el Centro de Arte de la Recova actuará la compañía de danza DeNada Dance Theatre con Ruffle. La jornada concluirá en el Auditorio de Tenerife con After the party de la compañía Thomas Noone Dance a las 17.30 horas y con Sintempo de la bailaora Sara Cano a las 19.00 horas.

El jornada del jueves comenzará también en el Paraninfo de la Universidad de La Laguna a las 10.00 horas con El vuelo de Daniel Morales. A las 12.30 horas en La Granja será la actuación de La Carne de Paula Quintana, coreografía estrenada en la pasada edición. En el Teatro Guimerá a las 16.00 horas tendrá lugar Get No de la compañía de danza La Quebrá. Una hora después, en La Recova se dará cita Campo Cerrado de la compañía de Daniel Doña. Por último, en el Auditorio de Tenerife actuarán a las 17.30 horas Cualquier mañana de Álvaro Esteban y Laura Aris, y a las 19.00 horas Nocturno de Leonor Leal.

El sábado, a partir de las 10.30 horas en La Granja, empezará Lettre d’amour de Pau Arán. A las 12.00 horas se subirá al escenario del Teatro Guimerá la compañía de danza La Intrusa con It’s a wrap, ganador del Premio Nacional de Danza en 2015. En los exteriores del Auditorio de Tenerife tendrá lugar a las 17.00 horas 147 horas de la compañía Sharon Fridman y Laika de Isabel Vázquez. A las 18.30 horas empezará La oscilante de Pol Jiménez. Para finalizar, Trama, una coreografía de Roser López Espinosa a las 20.00 horas.

Para finalizar con la última jornada del festival, a las 10.30 horas en La Granja estará la compañía de Natalia Medina con Petitdanza. En el Teatro Guimerá a las 12.30 horas tendrá lugar El hijo, el último espectáculo del bailarín tinerfeño Daniel Abreu, ganador del Premio Nacional de Danza en 2014. A las 16.00 horas en el Auditorio de Tenerife empezará Work in progress, una sesión solo para programadores en la que algunos artistas mostrarán sus últimos avances. A la misma hora, en el exterior del auditorio se representará Esto que tú ves de Javier Cuevas y Paula Quintana. Cerrando esta edición del festival se representará El pastor, una coproducción del Auditorio de Tenerife con la compañía Nómada y Kenophobia de la compañía Osa + Mujica.

El Festival Santa Blues de Tenerife fue suspendido en junio a causa de la pandemia causada por la Covid-19. Tonky de la Peña ha formado a generaciones de músicos de este género en el país desde hace 40 años. Compartió también experiencia con Mick Taylor, guitarrista de John Mayall y Rolling Stones; y entre 2000 y 2005, con Buddy Miles. Tonky estará acompañado por la JCB Blues Band, iniciales del músico Juan Cruz Barrueco, que lidera una banda integrada por Guillermo Pérez Alberto, el bajista alemán Mathias Reverb y el italiano Adriano Siani en la batería.

El segundo concierto traerá la sexta versión de la banda Santa Blues Band que estará producida por el músico Rubén Díaz, en colaboración con bajista Agustín Pérez Buenafuente para presentar el espectáculo Blusazul, con Esther Ovejero, Carmela Visone y Priscila Estévez. Con ellas estarán también Pablo Díaz, teclado; Tiago Braúna, batería; Jorge García, voz y armónica, y Eddie Díaz, trompeta, a quienes se suman en una parte Cristo Dorta y Amílcar Mendoza, componentes de Visone & The Groove.

Se trata de una iniciativa puesta en marcha a comienzos del 2020 por el reconocido coreógrafo Rafa Méndez, cuyo objetivo principal es el de demostrar el talento artístico de la juventud de Canarias. Tras un largo proceso de selección entre cientos de participantes de distintas islas, el bailarín y su equipo finalmente escogieron a los ocho componentes que conforman la obra musical. Cuatro bailarines, dos cantantes, y un actor serán los encargados de darle forma al show con un estilo clásico, break dance, experimental, jazz y street dance.

La propuesta se define como la oportunidad que se merecen aquellos jóvenes que se han podido ver limitados por su posición geográfica, de subirse a un escenario y ser reconocidos de una vez por todas. Así que todo el que quiera poner a prueba el potencial de estos ocho artistas podrá hacerlo acudiendo el 26 de septiembre a la capital tinerfeña.

Pedro Mérida, productor de Fimucité, comenta que debido a estas condiciones no va a poder asistir todo el que lo desee, ya que hay un aforo limitado de 190 butacas. Aunque apunta que «el publico de Fimucité es fiel y nosotros apostamos por el festival porque también apostamos por el público». El teatro cuenta con más de 600 butacas pero se verá reducido para así respetar la distancia de seguridad. Mérida considera que tienen «la obligación de extremar hasta donde marquen las normativas para que asistir a un evento cultural suponga de las pocas alternativas seguras para el encuentro social entre personas y el arte».

El espectáculo bajo el nombre Scorsese After Hours, estará interpretado por la Pop Culture Band y liderado por Gonzalo de Araoz. Diego Navarro director de Fimucité expresa que «se hará un viaje maravilloso a través de las canciones que Scorsese ha utilizado a lo largo de su filmografía». Los espectadores podrán escuchar temas como Gimme Shelter de The Rolling Stones o I’m Sorry, interpretada por la cantante Brenda Lee, entre otros. Mérida comenta que «cada una de las piezas está muy conectada con la iconografía visual y escenas míticas que conforman el cine de Scorsese».

El director Diego Navarro destaca que «hemos adoptado el lema de Somos la resistencia de la música para el cine ya que somos uno de los pocos espectáculos que se van a poder celebrar a nivel mundial dentro de este género». Esto es debido a que la mayoría de eventos han sido víctimas de la pandemia. Por otra parte, confía en que el público, dentro de todas las medidas de seguridad que se van a adoptar, «invada todos nuestros escenarios para que disfruten de una edición histórica».

El evento dedicado a los amantes del cine y a cualquier persona que quiera disfrutar de música en directo, tendrá lugar a las 20.30 en el Teatro Guimerá. Asimismo, la entrada tendrá un coste de entre 15 y 18 euros. Se podrá comprar la entrada ya sea a través de la pagina oficial de el teatro o en la taquilla.

En el escenario llamaba de inmediato la atención la luna gigante que ocupaba gran parte de él y que inevitablemente recordaba al astro que forma parte de la portada de varias ediciones del libro. Sentados en las butacas, se podía ver a unos asistentes mucho más jóvenes de los que normalmente abundan en los teatros, preparados para el comienzo del espectáculo. Pocos minutos antes del comienzo, el grupo Elefantes comenzó a tocar una melodía suave que recorrió el lugar junto a un juego de luces de tonos azules.

Seguidamente, subió al escenario Ignasi Vidal, autor y director de la obra, para dar la bienvenida a los espectadores y presentar el evento.

«Se muere por aquello que merece la pena vivir»

Tras las palabras del director dio comienzo la primera parte de la obra. El hecho que marcó este inicio no fue otro que el último vuelo que llevó a cabo Antoine de Saint-Exupéry, representado en la obra por Javier Godiño, y su desaparición. No obstante no fue un comienzo dramático, pese a lo que se pueda imaginar, pues a los pocos minutos llegó al plató Shuarma, vocalista de Elefantes, en el papel de El Principito y representando el comienzo de la novela.

A partir de aquí, se fueron intercalando los hechos de la vida de Antoine en distintos lugares y épocas, y la trama del libro. Nueva York, Buenos Aires, París, Lisboa y el Sáhara son algunos de los espacios que se reflejaron en escena y que se pudieron distinguir, sobre todo, por el uso de la iluminación. También se diferenciaron de forma considerable las dos partes de la trama por el vestuario, llamativo y colorido en los personajes de la novela y más acorde a los años 40 en las personas de la historia biográfica.

«Solo los niños saben lo que buscan»

La segunda parte del evento, que comenzó tras un breve descanso de 15 minutos, empezó presentando una entrañable representación en forma de marioneta del zorro que aparece en el libro. Sin embargo, esta otra mitad estuvo especialmente marcada por la ida de Antoine a la guerra y retomó de nuevo la escena con la que se inició la función.

Uno de los principales aciertos del acto fue la forma tan natural de mostrar al público que la novela de El Principito es en realidad un libro autobiográfico. Su autor volcó en este los hechos que rodeaban su vida y muchos de los personajes que aparecen en él fueron personas de su entorno: como el zorro, que representa a un amigo con el que congenió en el desierto o el personaje de la flor, utilizado para encarnar a su mujer.

Después de leer un último pasaje de la novela subieron al escenario todos los personajes que habían aparecido hasta entonces y cantaron la canción que cerraría el espectáculo. Envuelto todavía en ese ambiente que transmite la función, el público se puso de pie y ovacionó la obra que marcó un gran inicio de la tercera edición del Festival CAE.

Este acto marcará el inicio de la tercera edición del Festival internacional Canarias Artes Escénicas que busca aumentar la representación del teatro dentro del Archipiélago y que durará hasta el 28 de mayo. La nueva edición realizará actos en las islas de Tenerife, La Palma, La Gomera, El Hierro, Lanzarote y Fuerteventura y contará con la participación de siete compañías de reconocimiento internacional. Otros de los estrenos que se lanzarán este año son Los días ajenos, A vueltas con Lorca o We agree to disagree.

Música a cargo de Elefantes

Los encargados de elaborar las canciones de la obra e interpretarlas en directo son los componentes de la banda española Elefantes, bajo la dirección musical de Miguel Ángel López. Marta Rodrigo, responsable de prensa del espectáculo, afirma sobre la colaboración del grupo que «cuando Ignasi Vidal ve cómo Elefantes interpreta las canciones, ve que es muy difícil que esto se replique. Este es el único caso en el que una banda nacional asume la creación de toda la música de una obra».

Javier Godino, conocido en el mundo del musical por su papel en Hoy no me puedo levantar y en el mundo del cine por películas como El secreto de sus ojos, será el encargado de interpretar a Antoine. Por otra parte, Shuarma, el vocalista de Elefantes, se estrena en el ámbito de la actuación en el papel de el Principito. Otros de los actores que participarán en el evento son Aida de la Cruz, Alberto Vázquez o Carmen Barrantes.

Además, el acto busca la intervención de los asistentes y añadir un punto de dinamismo mediante la inclusión de las nuevas tecnologías. Marta Rodrigo asegura que lo que quieren es que «cerca de algunas de las secciones se pueda hacer una exposición que te permita acercarte un poco a la vida de Antoine. En esa exposición habrá tangibles, pero también se pondrán las nuevas tecnologías a disposición de los visitantes para poder hacer un poco más realista viajar hasta hace 75 años y poder realizar un viaje más inmersivo».

El origen del espectáculo

El Principito, publicado en 1943, es la obra francesa más leída de todos los tiempos y parte de los hechos narrados son vivencias de su autor.

A Antoine de Saint-Exupéry siempre le entusiasmó la idea de volar y trabajó para varias empresas de transporte aéreo. En 1944 desapareció al llevar a cabo un vuelo de reconocimiento y en el año 2000 terminaron encontrando los restos de su avión.

Para el primer encuentro, que tendrá lugar este viernes, 31 de enero, en el Teatro Leal de La Laguna a partir de las 20.30 horas, ya se han agotado las entradas. El segundo se celebrará el próximo 7 de febrero a partir de las 20.30 horas en el Cine Fajardo de Icod de los Vinos. Por último, la tercera fecha será el 8 de febrero a partir de las 20.30 horas en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife.

La Coral Universitaria de La Laguna, que se fundó en el año 1970, ha formado a varias generaciones vocales del Archipiélago. En su repertorio sobresalen más de cien óperas, zarzuelas, oratorios y sinfonías de maestros como Haendel, Purcell, Haydn, Beethoven, Brahms, Verdi, Fauré o V. Williams. Por otro lado, cabe destacar que ha realizado numerosas giras por Europa, Asia, Venezuela, Cuba y Filipinas y ha obtenido varios premios en países como España, Inglaterra, la antigua Yugoslavia e Italia. Además, ha realizado grabaciones para Televisión Española y las televisiones venezolana, irlandesa, lituana y rusa. Entre su discografía destacan los álbumes Barcarola (1994), La estrella azul (2002), Cantares (2006) o Y mar y mar (2008).

Por su parte, La Coral Reyes Bartlet se constituyó en el mismo año. Entre sus grabaciones más importantes se encuentran las Zarzuelas bohemios (1993), El barberillo de Lavapiés (1994) o la Sinfonía amerindia (1998). El conjunto ha actuado en varias ciudades de la geografía española, así como en otros países como Alemania, Austria, Eslovaquia, Reino Unido o Bélgica. Asimismo, cabe destacar sus colaboraciones con grandes intérpretes como Alfredo Kraus, María Bayo, María Orán o Wolfgang Gönnenwein. Durante los últimos años se ha adentrado en la música antigua con la interpretación de obras de J. S. Bach, G. P. Handel, F. Scarlatti, A. Caldara, T.L. Victoria o G. Bassani.

Una crítica a las clases sociales

Carmina burana es una obra compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936. Está basada en un manuscrito de los siglos XII y XIII, que está formado por 318 textos. Estos fueron encontrados en la abadía Benediktbeuern, en el sur de Alemania. En su parte inicial aparecen poemas y sátiras que realizan una crítica a todas las clases sociales, sobre todo, a la nobleza y al clero, algo muy inusual en la época medieval, pues la mayor parte de las composiciones eran de carácter religioso. También, se abarcan otros temas como los placeres terrenales, el amor carnal o el goce de la naturaleza. Por otro lado, se hace mención a la mitología con la Rueda de la Fortuna o la diosa Fortuna, a quien se relaciona con la suerte y la fertilidad.

Cuento de Navidad, cuya dirección corre a cargo de Mingo Ruano, se inspira en una readaptación dramatúrgica de Luis O’Malley que cuenta en su amplio reparto, además del citado Peña, con un nutrido elenco de conocidos rostros de la escena teatral canaria, como Mari Carmen Sánchez (a la que podemos ver en la aplaudida serie de Movistar, Hierro), Víctor Formoso y Saray Castro (César Manrique, el musical), Thania Hill (Cuentos en la noche de San Juan), Efraín Martín (El crimen de la calle Fuencarral), Rubén Pérez (El polizón) y media docena de niños y niñas, entre otros profesionales canarios del canto y el baile.

Una entrañable parábola

A lo largo de algo más de una hora de duración la magia de la Navidad, el desarrollo de la delicada trama argumental y las canciones interpretadas en directo, terminan por contagiar al público en esta bella y entrañable parábola que nos habla del rechazo, la avaricia, la nostalgia, la bondad y de los instantes mágicos que nos regala la vida que nunca deberíamos obviar, aunque el devenir de nuestros frenéticos días nos lo proponga muy a menudo.

La nueva producción Cuento de Navidad está basada en una versión libre y actual del clásico Cuento de Navidad, de Charles Dickens, escrita por el dramaturgo Luis O’Malley, quien ha concebido la historia del avaro e insolente Ebenezer Scrooge que encarna Mariano Peña, desde los argumentos de la diversión y la parodia, sin desvirtuar las claves que encierra el celebérrimo cuento corto concebido por el autor británico hace casi 180 años.

La quinta gran obra de Acelera Producciones

La obra Cuento de Navidad es la quinta gran producción propia de Acelera tras sus exitosas entregas anteriores, El trámite I y II (2015 y 2016), El cielo según San Juan (2017) y Cuentos en la noche de San Juan (2018). En todas ellas la productora radicada en el municipio de Ingenio ha contado con el compromiso de primeras figuras del cine o la televisión nacional, como ha sido el caso del actor Jordi Sánchez, la humorista Cristina Medina, la actriz canaria Antonia San Juan y, ahora, el popular Mariano Peña, conocido por dar vida a Mauricio Colmenero en la serie Aída. Los cuatro montajes citados han sido presentados en más de 200 espacios escénicos de toda Canarias y disfrutados por 50 000 espectadores.

Mariano Peña, que recientemente formó parte de la nueva ficción creada y dirigida por Javier Veiga, Pequeñas coincidencias, puso voz al maestro Kame Sennin en Dragon Ball y al señor Wilson en Daniel, el travieso. En televisión ha participado en algunas de las series españolas más exitosas de los últimos tiempos como Compañeros, Hospital Central, Los Serrano y Allí abajo. En 2006 recibió el premio de la Unión de Actores como Mejor actor secundario de televisión y, en 2012, el Premio Ondas. Además, desde 2003 ha participado en más de veinte largometrajes, entre ellos La luz prodigiosa, de Miguel Hermoso, Reinas, de Manuel Gómez Pereira, El séptimo día, de Carlos Saura, No lo llames amor… llámalo X, de Oriol Capel y Héctor, de Gracia Querejeta. En 2016 encabezó el reparto del musical Priscilla, reina del desierto.

En esta ocasión, Lluis Luque dirige Fedra, la obra basada en la tragedia Hipólito, de Eurípide, al frente de un elenco de actores muy especial pues el personaje principal de la obra estará encarnado por Lolita Flores, cantante y actriz reconocida dentro del territorio nacional, premiada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes el pasado 18 de febrero.

Fedra, la reina de la Isla del Volcán, está enferma: ni come ni habla ni duerme. Los médicos son incapaces de averiguar el origen de su padecimiento y el país entero anda preocupado por su estado de salud. Algunos dicen que se ha vuelto loca. Otros, que las largas ausencias de su esposo, el rey de la Isla, han terminado por devastar y asolar su corazón, pero nadie conoce la verdad y todos se equivocan. Y es que la gran responsable de la dolencia de Fedra no es otra que una pasión que la atormenta desde hace tiempo y que ya no puede reprimir más.

La nueva versión del drama ha buscado darle una segunda vida a su personaje más icónico para que así pueda salir del letargo en el que siempre se ha encontrado. De esta manera, Freda se convierte en una mujer empoderada, fuerte,  valiente y, sobre todo, más combativa y  con menos miedo. Una persona que huye de la tragedia y del dolor en el que ha estado sumida durante tantos años para atreverse, de una vez por todas, a amar.

Una producción del Festival de Teatro Clásico

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida fue el primer encargado de acoger este acto para su representación. Se trata del festival de teatro clásico más antiguo de los que se celebran en España y está considerado como el más importante en su género.

Las representaciones de las obras del festival se llevan a cabo anualmente, durante los meses de julio y agosto en el Teatro Romano de Mérida, considerado como uno de los edificios en el mundo que mejor representan los sólidos modos y las formas armónicas de la arquitectura romana en época del emperador Augusto. Asimismo, es el teatro que funciona como tal más antiguo del Mundo.